3/4HadBeenEliminated was founded in Bologna, Italy, in 2002. Starting as a trio (guitarist/double bassist Stefano Pilia, turntablist/sound assembler Claudio Rocchetti, sound architect Valerio Tricoli) in 2004 the line up was extended to drummer Tony Arrabito. The music has a light melancholic attraction and freshness at the same time. It drives between ambient improvised textures and pop related loop like tunes. The group works with quite different and strange elements ranging from an unusual choral like voicing to electronic and mechanical effects occuring rough in between the songs. [Minimamedia.de]

Ecco l'ultimo disco dei veneti, stavolta su vinile (copertina serigrafata con artwork di Canedicoda!) per la Holidays records del buon Blits. Tre tracce di synthpunk alla primi Death of Anna Karina, ovvero una botta della madonna! ...Non sono ancora riuscito a vederli dal vivo una volta, ma cercherò di provvedere asap.

Al freddo are from Italy, they play that good "italian-way" (?!?) screamo in the vein of Raein, or early With love; Failed suicide plan are from Germany, they are more into From ashes rise / Converge stuff.

Spettacolissimo 10" su vinile bianco trasparente diviso fra i piacentini Antithesis (vedeteveli una volta dal vivo che spaccano di brutto!) e i comaschi Santantonio. Canti gregoriani meets italian old school hc & black metal svedese. Papa boys have burnt my house! Un lavorone.

Da sempre più tempo sono oramai convinto che la qualità in Italia di un certo genere musicale sia superiore ad altre scene europee. Parlo di quel misto di stoner/garage/fuzz che da un po' di anni ci sta regalando tantissimi gruppi davvero impressionanti: Ojm, Smalll Jackets, Torquemada, Grand Sound Heroes, Alix, Midryasi, Kill The Easter Rabbit e sopratutto gli El-Thule. La band bergamasca giunge all'importantissimo secondo album dopo che con il debut di tre anni fa, "No Guts, No Glory", erano riusciti a suonare nei festival di mezza Europa facendo da spalla a band come Orange Goblin, Witchcraft e On Trial. L'inizio è affidato a "Shaman", riff maestoso a giro che si scatena in un boogie stoner rabbioso davanti al quale si rimane impotenti. E' strepitosa la voce di Mr. Action, uno che oltre a ululare canta anche (una rarità di questi tempi). "La Cruda" è rassicurante quasi come le urla che alleviano un dolore, fuzziana e pesantissima allo stesso tempo con una coda finale da infarto. "Adam Bomb" (uh, l'avranno dedicata a quell'Adam Bomb?), è incontrollata, una scheggia impazzita con assoli wha wha e batterista che getta le bacchette per usare due spranghe di ferro. L'atmosfera è quella di una musica caldissima, bollente, e anche l'uso della lingua spagnola nei titoli ne contribuisce ad aumentare l'effetto, come nella strumentale psichedelica "La Muela Del Diablo", che dopo un lungo, iniziatico intro preparatorio si fa sommergere da tom-tom tribali e parte una folle corsa verso il più buio dei mondi. C'è spazio anche per un brano come "Black Mamba" il cui riff iniziale sembra provenire da un disco degli Iron Maiden! Fortunatamente (o no?) poi le atmosfere plumbee ritornano a impadronirsi della scena. Questo è un disco di importanza capitale per il genere. Sessanta minuti difficili da dimenticare. [Nerds Attack]

E tornano pure loro, i Blown Paper Bags, autori poco più di un anno fa di un lavoro – "Arm Your Cameras", uscito per Suiteside – ampiamente esaltato sulle pagine di Rockit. Stavolta la band genovese condivide il – caotico, ovviamente – palcoscenico con un progetto no-wave statunitense, gli Experimental Dental School, protagonisti del lato A di questo split. La loro formula prevede cantilene a bassa fedeltà, condite dai rumori sconnessi tipici di chi ha un approccio scrauso con gli strumenti. Decisamente fichi. Ma se proviamo un amore sfacciato per i Paper Bags un motivo ci sarà. E il lato b del vinile conferma e rilancia, mostrando i nostri nella loro forma migliore. Ripulito il suono da ogni incrostazione dissonante, il quintetto ligure si lancia in due brani che sono un groviglio di tastiere dance anni Novanta (l'inizio di "Krautcore Vs. Blogbore" sembra un tributo all'immensa "Rhythm Is A Dancer" dei sempiterni Snap), ritmi forsennati, melodie orecchiabili e voci urlate più o meno all'unisono. Dei pazzi furiosi, insomma, che al confronto i Go! Team sembrano una cover band di Cristina D'Avena. Al termine dell'incontro, quindi, vittoria di misura per i Blown Paper Bags. Ma la partita è stata intensa e gli applausi sono tributati ad entrambe le squadre. [Rockit]

Hanno suonato praticamente ovunque, dal Giappone agli States passando per la Scandinavia, coi nomi più grossi della scena pop punk mondiale (dai Blink 182 ai Bad Religion, dai Social Distortion ai Queens OF the Stone Age, dagli Alkaline Trio ai Nashville Pussy). Grinta a mille e cori sempre azzeccati, spaccano! Vinile grigio maculato stampato con vinile riciclato. Ottimo lavoro.

Imperdibile split sette pollici stampato su vinile bianco (per la gioia degli esteti!) e con doppia copertina tematica da applausi (opera di Alessandro Baronciani degli Altro) tra una delle più longeve realtà hardcore del nostro Paese - i Kafka - e i lussemburghesi dEFDUMp, gruppo decisamente emergente del panorama underground nordeuropeo. La band genovese è quasi all'importantissimo giro di boa dei dieci anni di carriera e, nonostante questo, l'incazzatura per un mondo che gira all'incontrario è quantomeno rimasta ai livelli degli esordi, se non aumentata. Nei Kafka - non so bene quale sia la ragione - continuo a vedere vivo il fondamentale insegnamento degli Indigesti, sebbene il loro hardcore strillato e sofferto abbia un piega più moderna e i testi siano meno intimistici e ancor più aperti sull'aspetto sociale e - perché no - anche politico. Prendo un brandello della "postfazione" inserita in questo vinile, secondo me illustra perfettamente il (condivisibile) substrato ideologico che da un decennio muove gli attivissimi ragazzi liguri (tra l'altro, referenti italiani del movimento culturale transnazionale "Food Not Bombs"): "Noi rifiutiamo e […] vogliamo superare […] la vita come lavoro, il lavoro come unica espressione possibile di sé stessi, come unica forma alienata di quello che […] ogni essere umano è, e non può non essere. Né ci può accontentare, poi, la finta ora d'aria del cosiddetto «tempo libero», entro la quale gli automi del lavoro si mutano in burattini del divertimento, seguendo schemi che non sono altro che scaltre strategie per far consumare «cose» di cui non si ha realmente bisogno, o valvole di sfogo per pulsioni represse[…]". Urla e strepiti d'approvazione. E' poi la volta dei dEFDUMp, che ci fanno assaggiare tre episodi del loro ottimo hardcore evoluto verso la migliore nuova scuola. Durezza metallica, melodia, buone idee (musicali e non solo), spiccata personalità e sperimentazioni si fondono nella proposta di quella che potrebbe essere a breve una delle "new sensation" della scena accaccì mondiale, al pari di quanto oggi rappresentano gente del calibro di Poison The Well o Shai Hulud. Ammesso che i quattro di Tétange cedano un po' dalle loro (ammirevoli) posizioni intransigenti verso il music biz… [Dedication.it]

Sempre più spesso le recensioni vanno a toccare anche l’aspetto grafico dei lavori, non tanto per una mutata considerazione di questo parametro nell’ambito dell’economia generale di un disco, quanto per un cambiamento oggettivo nel ruolo del cosiddetto “packaging”. Se, difatti, finora una bella confezione veniva il più delle volte utilizzata come specchietto per le allodole (magari al fine di combattere la tentazione al download), oggi sembra andare imponendosi una visione d’insieme che unisce i vari momenti della fruizione al fine di creare una vera e propria esperienza su più livelli. È il caso anche di questo split, in cui materiali utilizzati, tecniche grafiche, colori, testi e musica si fondono insieme a comporre un unicum sia sul piano emotivo che su quello squisitamente gustativo. In questo modo, l’impatto prettamente sonoro del contenuto viene amplificato e completato dalla manipolazione/visione del suo contenente, grazie ad un ritorno alla cura nella realizzazione come elemento integrante dell’azione creativa. Ecco perché diviene momento fondamentale di una critica compiuta il trattare anche aspetti che con le composizioni in note sembrano avere davvero poca attinenza e, qui ancor più che in altri casi similari, tessere le lodi di chi ha così sapientemente saputo plasmare e formare la profondità dello spartito, spingendolo oltre il suo naturale legame con l’universo acustico. Tocca ai Lady Tornado il compito di aprire le danze e il compito viene portato a termine nel migliore dei modi, grazie ad un incipit dai contorni vagamente lisergici, che va a slabbrarsi prima di cedere il passo ad una vera e propria colata di dolore e disperazione. Chitarre dal suono tagliente e sgraziato creano la colonna sonora per liriche che suonano come unghie su un muro, meglio, dita ormai spuntate che tentano di aprirsi un varco attraverso un muro imbrattato di sangue e cheratina. È un suono viscerale e tormentato quello che delinea le tracce a firma Lady Tornado, materia pulsante che ha la stessa consistenza del corpo umano: carne e ossa e sangue, elementi sparsi a caso sul pavimento e ricomposti senza seguire alcun manuale di anatomia. Differente l’approccio che contraddistingue The Infarto Scheisse, meno belluino ma non per questo meno reale: i contorni si fanno più precisi, ma la visione di insieme non è per questo più tranquillizzante. Al contrario, l’urgenza di esprimersi diviene schizofrenica e passa dall’esplosione all’implosione, dalla rabbia riversata sugli altri alla disperazione di chi si chiude sempre più in sé stesso. Proprio questo passaggio per momenti di apparente quiete/riflessione rende ancora più devastante il momento della deflagrazione, dualismo ineluttabile delle dinamiche umane. Non c’è vera soluzione di continuità tra le due parti, piuttosto una differente prospettiva da cui osservare la stessa scena e chissà perché vengono alla mente le immagini che accompagnano gli artwork degli Unsane o magari gli scorci di obitorio a firma Serrano. Ma qui si va sull’interpretazione personale, nulla a che vedere con l’oggettività e la concisione che una recensione dovrebbe avere. Chiediamo venia. [Audiodrome]

Un anno dopo il precedente s/t, ritornano i veronesi Rosolina Mar, con un passo più deciso, dove pur mantenendo la passione per titoli meta-demenziali (Domenica Mattina la Benedizione dei Trattori, Mingozo di Mongozo ), si tuffano meglio che prima negli elettrici anni 7o, specie nell'imperversare sul wha-wha, quasi sforando nell'acid caro agli inseguimenti alla Harry Callahan, per quanto resti ancora dietro l'angolo il canale mono del miglior funk. - Senti in merito Isa Eyes, unico brano dove s'introducono a tradimento due parole di cantato, - o le brevi et intense Tuttopapetti e Protopapetti. Poi mentre la title track come Car Patch (D-tone) piegano più sul lato free-jazz delle due chitarre e batteria, Flesh Dance tocca la scuola fusion, mettendo da parte le malinconie e focalizzandosi invece sull'eccitazione dei cambiamenti della sezione ritmica. [Komakino]

Il concetto è semplice: quintetto da Bologna. Gli ospiti sono rinomati: Carlo Masu e Ferruccio Quercetti (Cut), Jukka Reverberi (Giardini di Mirò). L'artwork e la fotografia sono a cura rispettivamente di un mostro (Tae Won Yu) e una fata (Giulia Mazza), con risultati conseguentemente fiabeschi. La produzione artistica è di un certo livello: Brian Deck (chi non sa chi sia salta la cena); le due etichette pure: Deep Elm da un lato, Unhip Records dall'altro. Dicasi Settlefish il totale (che non è solo la somma) degli addendi precedentemente elencati. E voilà, senza mettersi ad elencare tutti i tour USA e UK, senza menarsela con le collaborazioni e con gli intrecci di nomi e persone e fatti ed eventi. Basta con le recensioni biografia e stop alle telefonate. Quando il pulsante diventa rosso non resta che partire. C'è una questione particolarmente importante che sta alla base di "The Plural Of The Choir", primo disco del quintetto bolognese con cadenza canadese pubblicato anche per un'italiana e non solo per la 'solita' Deep Elm. La questione non è relativa ai trampoli, bensì alla capacità di mantenere se stessi su un piccolo pezzo di spago. Solo gli equilibristi bravi, infatti, riescono a stare in bilico fra Modest Mouse e At The Drive In senza cadere miseramente nella banalità. I Settlefish sul filo non solo si trovano a loro agio, ma alla quiete preferiscono un nervosismo lucido e ammaliante. Danzano quasi, come se quel filo avesse una piattaforma misurabile non in millimetri, ma in centimetri o qualcosa di più. Eppure non c'è coraggio senza naturalezza. E qui la naturalezza domina. Basti vedere la bravura con cui i cinque mutuano le chiare influenze di cui sopra in un agglomerato chitarristico geneticamente indie, che ha però in una solida base ritmica una decisa spinta propulsiva verso la dinamicità. Se poi ci mettete sopra un cantante emo che sa cantare (non certo una prassi), la convulsione è cosa fatta. I Settlefish non sono solo questo, però. Sono capaci di raffinatezze e sussurri, quando chiedono alle chitarre di muoversi sottovoce e lasciano più spazio al piano, ai tuffi di note e alle cascate di emozioni. Sono poi ottimi piloti di arpeggi, quando come Senna inferociti aggrediscono la curva chiedendo alla macchina di dare tutto e ancora di più, come fosse l'ultima volta. La loro bravura sta nel loro essere se stessi e nel loro farlo bene. "The Plural Of The Choir" sarà un album che darà soddisfazioni. E' caratterizzato da quel suono che non ha nulla a che fare con l'Italia, ma non è l'ennesima copia carbone sbiadita e annegata nell'olio fritto che siamo soliti sorbire quando gli italiani giocano a fare gli americani o gli inglesi. Io credo ci possa essere credibilità anche facendo musica dal respiro internazionale, che di italiano non ha nient'altro che l'anagrafe. Io credo che si possa farlo perchè, quando si cede alla fascinazioni con la stessa classe di un medio gentleman che bacia la mano sfiorandola solo con un soffio, la donna arrossirebbe indipendentemente dalla lingua in cui le dici che sì, l'ami, perchè non andiamo via insieme? In fondo anche solo mezz'ora potrebbe bastare. Forse. [Carlo Pastore su Rockit]

Forse il disco della svolta? A distanza di un solo anno da The ionic spell, e centinaia di concerti in tutta Europa, gli Standstill uscivano con un disco più calmo (a parte qualche splendida sfuriata) e pensato. Bei tempi, quando erano costantemente in tour.

Eccolo! I Sumo dal vivo mi ricordano gli Altro, ma molto più punk. E poi è la prima volta che vedo un batterista saltare negli stacchi! Gli Ed, anche loro da Bologna, suonano un hardcore grezzo e diretto alla primi Indigesti. Split vinilico con 8 tracce, grafica paiura a cura di Blu e doppio inserto all'interno. [Smartz]

I Three In One Gentleman Suit sono uno dei segreti meglio custoditi della scena indipendente italiana, nonostante l'enorme numero di concerti in giro per l'Italia e l'Europa. Un fatto che, a pensarci bene, è uno scandalo vergognoso. Che speriamo venga cancellato con questo nuovo "We Built Today". E diciamolo subito, allora. I Tiogs hanno inciso il loro capolavoro. "We Built Today" è un album sorprendente. Per la qualità di scrittura. Per l'abilità di rileggere il passato – certo indie rock degli anni Novanta – con la spensieratezza di chi non ha nulla da dimostrare, se non di saper produrre grandi canzoni rock. Per la capacità di sdoganare la dissonanza senza perdere d'occhio l'accessibilità. Noise per le masse, dunque. Senza che questo suoni come una bestemmia. Ciò che davvero colpisce è il mosaico che nel corso degli anni il trio proveniente dall'Emilia Romagna è riuscito a comporre. Col primo cd la band sfoderava uno dei migliori lavori post rock del periodo, pur con tutti i debiti stilistici che l'ottimo Paolo Polacchini (bassista e cantante del trio) doveva alle corde vocali di Geoff Farina dei Karate. Col seguente "Some New Strategies" i Tiogs prendevano il prozac e spingevano l'acceleratore. Più impatto, più distorsioni, più acrobazie ritmiche. Oggi "We Built Today" completa la quadratura del cerchio. E spacca alla grande, grazie a un pugno di canzoni che fanno piazza pulita di tutte le influenze passate e tonificano la vena creativa del gruppo neanche si trattasse di aspirina. "Torn Hidden Lost" e il suo assalto melodico. L'ossessiva ballata robotica di "Season". La delicatezza acustica di "No Beginning" e il contrappunto indie rock di "No End". Per tutta la durata dell'album colpisce la maturità raggiunta dall'interpretazione di Polacchini, la poderosa inventiva armonica del chitarrista Giorgio Borgatti, il vigore tribale del batterista Federico Alberghini. Ciò che hanno costruito oggi i Tiogs, insomma, è qualcosa di notevole. Vitale. Una carica di urgenza rock e passione sonica che non sentivamo dai tempi gloriosi degli Unwound. O degli Shipping News. E scusate se è poco. [Rockit]

To the ansaphone new 10" shows us the band exploring the realm of cut-n-paste music assembling. So, after so much time, three new songs recorded between their home base and the studio during the last five years - with long, long breaks due to the fact that the band members have been spread all over the world - are now collected in a very limited edition, on vinyl only.

The Van Pelt 7" featuring two unreleased songs recorded in 1994/95 at wgsn studios in Washington dc by Geoff Turner (Gray Matter) is out now. These songs have never seen the light and were played by the same members of the first album, except for toko who joined the band a while later. This is the beginning of one of the most seminal bands of the last decade, it's a kind of document of how the whole thing started. It starts here and ends in the last months of ’97. This is the prologue. It comes on black and brown-that-actually-looks-a-way-bronze. Great artwork by Angelino/LaQuiete. [Amiam]

Il nuovo disco degli Affranti sembra semplicemente la continuazione dello scorso "Ciò che rimane", solo più arrangiato ed ancor più ricercato nel connubio suoni-parole. Ed immagini, visto che il cd contiene anche una traccia video di "chi sono io? chi sei tu?" con disegni di Carla Murialdo. Le angoscianti parole delle 11 tracce che ne fanno parte ("c'è qualcuno? c'è qualcuno qui dentro? adesso posso aprire gli occhi?") sposano ottimamente un suono che nasce sì dall'hardcore (quello vecchiamaniera, Kina e Negazione per intenderci), ma che non disdegna atmosfere più nere e chitarre più metalliche (ma non metallare). Il tutto coadiuvato da un bel librettone, tutto in bianco e nero, fitto di pagine e contenuti. Ritrovate 5 copie, affrettarsi.

Allun et sise, nulla esiste probabilmente dietro le quindici tracce squinternate che compongono l'album d'esordio di queste quattro fanciulle di Vigevano con la passione per i Residents e per gli anagrammi. Nulla esiste almeno a livello di significato, perché in quanto a estetica, creatività e pathos, ce n'è di che insegnare a tanti pretenziosi musicisti classici. No wave, certo, come altro si potrebbe non definire la musica di queste non musiciste? Esemplare in questo senso è la traccia d'apertura, "Manichini", nella quale i suoni più improbabili si sovrappongono apparentemente senza logica, mentre una voce psicotica e un organo fatuo creano un clima da thriller di notevole effetto. I riferimenti e le soluzioni adottate durante lo svolgimento di tutto il disco sono alquanto varie e sfaccettate. Si va dai vocalizzi da soprano con contrappunto di frullatore in "Rennipinim", al flauto preso in prestito dai primi Royal Trux di "Nwolc", alla pura lezione residentsiana di "Eigub", alle rivisitazioni dei Mars in "Miele". Gli episodi maggiori sono "Erapocs" con chitarre giapponesi e un testo completamente letto al contrario che trasportano l'ascoltatore in una dimensione esotico-orientale e la ghost track finale, una infantile e stral(l)unata jam session dove si incontrano un organetto alla Quintron, uno xilofono (o quello che è), il solito flauto, vocalizzi da bambina ritardata, pezzi di batteria, fischietti e chitarre suonate nei registri più irritanti. Completano l'opera quattro frammenti minuscoli per lo più assordanti alla maniera del grindcore di cui non ci è dato sapere il nome visto che sul booklet, in corrispondenza del numero della traccia, ci sono dei disegnini stilizzati. Bisognerebbe costringere tutti i patiti di fusion ad ascoltare questo disco per insegnar loro come si fa a creare emozioni in musica e stupire veramente l'ascoltatore.

Che cosa ci fa un gruppo noise-garage-blues nel catalogo della Wallace Records, perlopiù orientata verso i territori dell’avant rock e della sperimentazione? A rendere la proposta del duo bolognese perfettamente congeniale all’etichetta suddetta è un’attitudine abbastanza fuori dagli schemi. Innanzitutto, una strumentazione scheletrica e minimale (solo chitarra e batteria), poi una presenza scenica che non lascia indifferenti: un ragazzo e una ragazza che indossano maschere da wrestler messicani, e si dimenano sugli strumenti come degli ossessi. E infine la musica: un r’n’r primordiale, convulso, frenetico e selvaggio, che unisce garage, noise, blues e un pizzico di no wave e free rock (ascoltate “Proud To Play Loud”). Prendete i Cramps più malsani (la title-track), il r’n’r destrutturato dei Pussy Galore, la furia iconoclasta del primo Jon Spencer (“My Beauticase Is Full Of Bones” e “Blue Bottle”), il noise-blues-punk incendiario degli Immortal Lee County Killers (“Witch Affair”) e degli Hospitals (“Monomaniac”), e avrete un’idea della musica suonata dagli Almandino Quite Deluxe. “Violent Potato” è il terzo album del gruppo, registrato e mixato presso i Ghetto Recorders di Detroit da Jim Diamond (storico produttore, nonché bassista dei Dirtbombs). Nove pezzi tiratissimi di stampo Fifties-Sixties ma con suoni terribilmente attuali: brani perlopiù strumentali, ogni tanto intercalati da gridolini isterico-deliranti e supportati da un drumming tribale, martellante. Che il prossimo passo della band sia quello di registrare con l’americana In The Red? Staremo a vedere. [Mucchio selvaggio]

Un album come "Brevi momenti di presenza" giunge completamente inatteso per chi aveva lasciato gli Anatrofobia col precedente (e ottimo) "Tesa musica marginale": facendo passare in secondo piano il caldo jazzcore stravinskiano tutto scatti e spigoli, il gruppo piemontese si getta negli oceani di silenzio di Supersilent e Starfuckers. La formula scelta è quella di session in presa diretta, niente sovraincisioni. Registrate in studio, ma si tratta della scaletta del tour 2006/2007. Il titolo già la dice lunga riguardo alla filosofia del lavoro: vuoti quantistici vibranti di tensione, attese sterminate improvvisamente spezzate da fremiti - apparizioni fugaci di coppie particella-antiparticella. Frasi multiformi che nascono e in un istante si annichiliscono, con matematica ineluttabilità. Silenzi che è difficile penetrare con le parole; solo dagli isolati "brevi momenti di presenza" si può sperare di coglierne, almeno in parte, il fascino e il mistero. E così si trovano pulsazioni orfane, frammenti ritmici, botta-e-risposta carichi di riverbero che non fanno in tempo a creare universi, ma li suggeriscono. Parole sparse, interrotte, ridotte in poltiglia subatomica. Poi, quaranta secondi di marasma geometrico, incastri sax-basso-batteria come architetture in ferro-vetro, creati più che dalle note dagli interstizi. La rottura della simmetria; forse un big bang. L'universo che ne segue è uno spiraglio di cinque minuti, sax "liberato" rincorso dalla sua antitesi ritmica e infine catturato, ricondotto al marasma da cui è venuto in un canto del cigno a base di live-electronics. Big crunch come un secondo big bang, uno scorcio di altre possibilità. E infine eccoli, gli Anatrofobia dei singulti bassistici, dei mille frastagliamenti e deragliamenti ipercinetici. Si concedono a sprazzi, sento/non sento, segmentano anche la presenza oltre a scale, metri e durate. Ancora silenzio, qualche eco metallica. Radiazione di fondo e correnti elettroniche, poi Terry Riley irrompe sulla scena: sovrapposizioni di funzioni d'onda, phasing, armonie cSound a strati, blu. La chiusura è di nuovo afasia: sax sospeso e fruscio di spazzole, qualche colpo di timpano che riecheggia nel nulla. C'è da augurarsi che "Brevi momenti di presenza" sia l'inizio di un nuovo percorso per la band, ancora più incentrato sul dialogo improvvisazione strutturata/composizione. Senza dubbio è sintomo della vitalità e della maturità del panorama jazzcore/math italiano, di cui gli Anatrofobia sono la punte di diamante in compagnia di Zu, Caboto, Calomito. Un disco entusiasmante, assieme denso e rarefatto, lucido e spirituale. E chissà dal vivo! [Ondarock]

Secondo cd per gli Arsenico, che come il suo predecessore (oltre alla demo e al 7") è un buon disco di hardcore melodico con una vena di tristezza; ma non siamo di fronte ad un gruppo emo (seppure l'influenza dell'emo si faccia sentire). Gli Arsenico mostrano una buona dose di personalità e capacità di muoversi con naturalezza sia dentro che fuori dell'ambito hc, anche se a livello musicale si ricollegano ad una certa 'tradizione' torinese: non a caso alla produzione ha partecipato anche Massimiliano Bellarosa, che suonava la chitarra nei compianti COV e ha collaborato con molti gruppi, Fluxus su tutti. E proprio l'influenza di quest'ultimo gruppo fa capolino nell'opener 'Un altro colpo di tosse'. Gli altri brani si muovono su diversi binari dall'hc classico ('Herr Professor'), a variazioni emo ('TVB'), al flamenco ('Il ballo del bacino') lasciando addirittura spazio all'elettronica ('Pochi metri [RMX]'); interessante 'Fratello Servo', nella quale oltre ai già citati Fluxus si sentono echi di skate-hc. I ragazzi hanno molte buone idee in testa ed è impossibile non notarlo. Il disco è curato, sia nei suoni che nell'artwork. E' bene sottolineare che in entrambi il gruppo ha messo direttamente mano: un ulteriore segno di maturità e idee chiare. Anche questo disco è nato da una coproduzione di una miriade di etichette DIY, tra cui El Paso, Mastello, Smartz, Escape From Today (onnipresenti quando si tratta di hc proveniente da sotto la Mole) e Donna Bavosa (che ci ha regalato quel piccolo gioiello che è il disco dei Laghetto). Al solito l'unione fa la forza, e fa anche dei gran dischi a prezzi accessibili. [Hatetv]

È sufficiente premere il tasto play e lasciarsi travolgere dal micidiale groove di “Nebbia A Luglio” per comprendere che i Bava non sono gruppo da prendere sotto gamba: bordate di suono post-core a cavallo tra minimalismo e rumore bianco, hardcore nel senso di violento, iconoclasta, urticante e sopra le righe. Corredato da testi ove la parola gioca tra continui rimandi e assonanze, immagini e sillogismi, L’Ostile Di Vita è un lavoro trascinante e coinvolgente, ma in modo sottile e mai scontato, così che il continuo tenersi in equilibrio sulla follia, alla fine, non risulta mai troppo faticoso e spinge a procedere nell’ascolto per scoprire tutte le carte in mano ai Bava. Si avverte l’ombra della deriva evoluta di casa Dischord, Fugazi in primis, e delle produzioni targate Amphetamine Reptile, ma anche una certa vena cara ai geniali Primus, cui avvicina anche il taglio surrealista e sarcastico delle parole, qui – come si accennava prima - elemento primario e non semplice contorno alle prodezze dei musicisti. Ce n’è per tutti e tutto, nulla sfugge alla penna della formazione e si capisce chiaramente come l’urgenza espressiva non venga qui asservita ad un fine stabilito a tavolino, ma neanche rotoli alla rinfusa, bensì si organizzi e si plasmi secondo un disegno capace di coniugare astrattismo e arte figurativa. Assistere a questa rappresentazione, perché alla fine c’è una buona dose di teatro nell’arte dei Bava, appagherà soprattutto chi non si pone limiti e ama viaggiare fuori dagli schemi prefissati, sfuggendo alle regole di mercato, perché in fondo: “È sempre un piacere veder bruciare bandiere”. Il re è morto, lunga vita ai Bava! [Audiodrome]

Arm your cameras proviene veramente da Genova, è un disco fatto in Italia che però ha un respiro profondamente internazionale. Questa piccola chicca da esportazione porta la firma dei Blown Paper Bags, riunitisi sotto tale sigla solo dallo scorso anno, ma provenienti tutti da precedenti esperienze in altre band cittadine. Ciò a cui assistiamo nelle sette tracce di questo mini-album è un'esplosione più o meno incontrollata di sonorità viscerali, tra ritmi stortignaccoli e spezzati, synth malconci e impazziti e bassi grassi che spargono olio sulla pista sempre più scivolosa. Il cd si apre con il "Blown manifesto" che ci fa presagire quello a cui andiamo incontro: una violenza riot-disco-punk che non disdegna le melodie più elementari. Elettronica analogica a profusione, in un tripudio di sintetizzatori Korg, Roland e Moog. Attacchi degni dei migliori Casio-terrorists. La vena poppeggiante dei Bis con la furia degli Ex-Models. Gli Help She Can't Swim in costume da bagno che tengono un concerto sul panfilo dei Beastie Boys. L'algore degli Adult sputtanato dall'attitudine guascona dei Junior Senior. E una massiccia dose di punkfunk rimasticato, a cui si accompagnano titoli farneticanti ed esaltanti come "Double Dragon On The Dancefloor", "Pass My Tape (to DFA)" e "European Secret Service". Un debutto assolutamente convincente, elettrizzante, bello come un diamante grezzo. [Rockit]

Qualcosa di Bob Corn rientra nell’ordine del meraviglioso. non è facile spiegare la ragione per cui la sua musica, così semplice, è allo stesso tempo anche così sottile e complicata. da un lato le parole delle sue canzoni sono inequivoche e pulite, raccontano di caffè nero, tradimenti, paure ed, ovviamente, parlando di tutto questo, parlano essenzialmente d’amore; dall’altro le frasi della sua chitarra non sono da meno ed, anzi, gli si darebbero a cuor leggero esattamente gli stessi attributi e le stesse ragioni d’essere. songs from the spiders house segue sad punk and pasta for breakfast e lo supera. tutto il potenziale lirico ed intimo del debutto, ancora un pochino aggrovigliato, viene disteso e sviluppato egregiamente da una produzione molto più curata ed hi-fi, almeno quel tanto che serve a mettere in primo piano una voce insicura e penetrante, che qua è là gioca a sdoppiarsi, sussurrarsi e parlarsi, oltre che, propriamente, a cantarsi…

Ho iniziato a credere che Bob Corn fosse un genio quando ho sentito la sua cover dei Belle & Sebastian. Suonata da lui diventa essenziale. Scheletrica. L'arte di riassumere tutto in pochi accordi. Fa freddo. Piove. Sono su un pullman. Il primo dopo tanti non funzionanti o fuori servizio. Milano sembra disabitata. L'inizio di "We don't need the outside" è come tutti gli inizi: una coppia. Tizio e Ahlie. Raccontano storie. Persone che si incontrano, che si piacciono. Piccoli paesi sconosciuti. Case. Candele. Nebbie da lasciare fuori dalla porta. Le paure si allontanano. Comincio ad immaginare. Seguo la musica. Mi si riempie la testa di nomi: Johnny Cash, Devendra Banhart, The Mountain Goats, Sodastream, Papa M. Ma pian piano se ne vanno tutti. Restano solo canzoni belle. Avanzo poco, fino al primo capolinea, l'autobus si ferma e si spegne. Si riaprono le porte. Entra il freddo. Entrano due marocchini che litigano forte, coprono la musica. Quando parte "The hottest autumn ever", però, mi guardano e abbassano la voce. "Rose in my past" e restano zitti. Come se l'arrivo di un angelo li avesse stupiti. Io mi addormento e sogno una torta calda e mio padre che mi dice "good night" (come a fine disco). Poi inizia "Reds between blacks". Due soli contro il mondo. Noi siamo due rossi, loro sono tutti neri. Il mio pullman si rimette in moto. Le gocce sul vetro iniziano a tremare. Le gocce c'erano già prima che salissi? C'erano già queste canzoni prima che io nascessi? E' come se le conoscessi da sempre. Come se mio padre me l'avesse cantate quando voleva farmi addormentare. Ed è strano: mio padre non sa l'inglese e non conosce il folk. Poco importa. Davvero. Il più è che qualcuno – prima o poi - me l'abbia cantate. Trasmettono una calma sorprendente. Un caldo. Meglio di Sam Cooke. Continuo ad ascoltare. Mi avvicino a casa. Davanti al portone mi dice nuovamente "good night". Non posso addormentarmi adesso. Rimetto "My sweet, we're bright". Nevica. Piango. Nevico. Arrivo in casa, c'è una torta calda e mio padre con una chitarra in mano. Sorride. "Thanks for fire on my heart" gli dico io. Lui capisce. E' un disco bellissimo. Essenziale. Che vi riempirà la testa e poi se ne andrà. Come un padre. Vi terrà al caldo. Vi farà vivere altrove. Vi farà bene. Tenetelo tra le cose più care.

Butcher Mind Collapse è, in parole povere, un riassunto di tre realtà nostrane (base a Jesi, provincia di Ancona): i Lebowski, dediti a un noise-rock d’ispirazione post-punk con piccole inserzioni elettroniche dissonanti, quasi una versione lineare delle nevrosi industrial di Reznor ("Per lei giovanile bellezza"; autoprod., 2007), i Guinea Pig, dediti a un post-hardcore rumoristico e fratturato alla maniera di San Francisco ("Guinea Pig"; Psychotica, 2005), e i Jesus Franco and the Drogas, il cui demo autoprodotto del 2007 richiama un misto del no-sense di Les Claypool e del rock’n’roll depravato degli Mc5. Dai Lebowski proviene il chitarrista Riccardo Franconi, da Jesus Franco proviene il chitarrista e sassofonista Nicola Amici, e dai Guinea Pig il chitarrista Giampaolo Pieroni (che nei Butcher diventa batterista) e il secondo chitarrista Jonathan Iencinella (ora vocalist a tempo pieno dei Butcher). Il primo Ep dei Butcher, prodotto da Mattia Coletti della Wallace, è una intelligente versione dello spazzcore più lascivo e dissociato, ma è soprattutto in "Sick Sex" che la ricetta è messa a fuoco. Nell’arco dei suoi venti minuti scarsi di durata, "Holy Weekend" si distingue subito per la sua rapida scarica epilettica di riff tanto elementari quanto brutali, fratture ritmiche voodoobilly, canto demente e dissonanze a mo’ di schegge, all’insegna di una globale instabilità armonica. "Cunt Face" è la degna prosecuzione di tale instabilità: cow-punk stridente, chiacchiericcio in rima alla Captain Beefheart, coro "Oi" quasi satanico e schizzate soniche della chitarra in flamenco di contorno. "Devil With Tits" sembra esporre un riff blues-rock dei White Stripes sotto acido muriatico, con un canto dissociato che porta tutto al refrain garage-punk danneggiato dei primi Royal Trux, denunciando una vera e propria carenza di articolazione semantica (non solo instabilità). "Monkeys Don’t Suck" e "Nazi Chicken" dirottano in modi diversi (ma affini) il verbo hardcore: la prima tormenta con strappi e fratture degni delle Erase Errata un riff acidulo su tempo supersonico, la seconda vira ai registri dei Black Flag più truci, con l’eccezione che buona parte degli spezzoni di chitarra non articola riff, ma vomita putride dissonanze. "Goddess Dustman", la piece più articolata, è in realtà germinata da una danza macabra di batteria, e parafrasata da chitarre sardoniche alla Marc Ribot, cantilene Waits-iane e umore da teatrino degli orrori. "Pop-A-Luma" recupera le chitarre ostili dei Big Flame e lo speedcore goliardico dei Dead Kennedys, per poi mutare in ritmo hard-rock e tornare a nuove variazioni insensate. E’ soprattutto un disco-pallottola paradossale, un piccolo rituale che ha il dono della perizia e lo sfregio della spericolatezza, ma che rende l’illusione di procedere lento e catartico per consentire di apprezzarne tutte le brutture: stilistiche, ritmiche, armoniche. Riesce a non cercare disperatamente l’ancora di salvezza dell’invenzione facile (meccanismo quasi automatico, in questi casi) e a reggersi sulla coerenza di strutture zigzaganti e portantine armoniche al limite dell’eresia. Produzione di Ragno (Giulio Favero, già One Dimensional Man, Teatro Degli Orrori e Putiferio) e Giovanni Ferliga, masterizzazione di Maurizio Giannoti, artwork di Refo. Co-produzione con: Valvolare Records, Marinaio Gaio, Sweet Teddy e Dizlexiqa. [Ondarock]

Il lavoro di Rocchetti risulta di più difficile decodificazione, così sospeso tra drone music, psichedelica kraut e post rock. Numeri ambient che strizzano l’occhio all’estetica glitch (We Got In Touch, Talked On The Phone) ma anche echi dei recenti 3/4hadbeeneliminated (It Was Purely Accidental, He Said). Le due tracce più convincenti sono senza dubbio Auf Gebauten Bauen e I Miss You Like Hell che trafficano con drones di varie nature - vocali la prima, strumentali la seconda - per poi sfociare in sinfonie mantriche ed elegiache a metà strada tra Double Leopards e Coil. Another Piece Of Teenage Wildlife la cui forza risiede in una compattezza d’insieme che non rinuncia ad una varietà di stili, si impone sin da ora come il più completo ed emozionante episodio del Rocchetti solista. [SentireAscoltare]

L’incontro/scontro fra due realtà sperimentali come gli italiani Miranda ed i canadesi The Creeping Nobodies può dare vita a qualcosa di eccezionale come ad un risultato troppo pasticciato. In realtà alla fine quello che ci troviamo in mano è un disco che si attesta su livelli medi, premiato più dalla vena del gruppo canadese, grazie al suo sound fatto di attitudine punk mescolata a chitarre sbilenche (immaginatevi dei Dead Kennedys molto più deliranti) che non disdegna sortite più melodiche (Eidolon, fra influenze giapponesi e chitarre morriconiane), che da quella del trio italiano, che a furia di sperimentare fra hip hop, post rock, noise ed elettronica perde la bussola, partorendo comunque un buon pezzo con la buttholesurferiana Vomit On Yr Shoes. Peccato che i Creeping Nobodies tendano a sfornare in due pezzi su tre intro poco consoni al brano, senza questi “extra” l’ascolto sarebbe stato ancora migliore. [Indie-zone]

Nuovo disco per i Dead Elephant (solo di recente ho scoperto che devono aver fatto degli EP autoprodotti) e come accade spesso, doppia produzione, visto che simultaneamente il disco esce su Donna Bavosa e Robotradio. Inizierei subito col dire che per chi non li conoscesse gli "elefanti morti" fanno "roba pesante" con parecchie influenze di hardcore e metal evoluto che ha in Neurot, Hydrahead, Albini, e nel noise i suoi punti cardinali. Produzione adeguata per un disco di questo tipo ed affidata al competente David Lenci che tenendo fede alla sua storia personale, lo fa suonare bello tosto ma per nulla metal, la voce (che per quel che mi riguarda è l'unica cosa che a volte ha dei risultati altalenanti) comunque trova una sua posizione ben precisa, visto che comunque Lenci ha trattato il lavoro facendolo suonare perfettamente amalgamato come da copione. Nu-metal? Vade retro! Proprio per quello ho iniziato parlando del suono: i Dead Elephant si devono essere nutriti di una bella quantità di noise e post-rock di quello che non si è scordato a casa il distorsore e quindi dagli Shellac ai Don Caballero, però questo è un dato che emerge più prestando un occhio alla rifiniture, il disco è soprattutto in debito con l'hardcore ed il noise evoluti, quindi oltre alle etichette menzionate direi di mettere nella valigia anche Steve Austin (soprattutto quando ha iniziato a non farsi troppi problemi di essere anche un metallaro), un pochino di stoner di quello meno vintage e quel tanto che basta di dark ambient nei passaggi (cose che purtroppo spesso rimangono relegate solo al disco perché la gente vuole l' "headbanging"), ma anche in questo direi che i Neurosis più che un riferimento per tutti siano stati un po' quello che On The Road è stato per una generazione di americani (che hai detto?...Un libro da sporchi fricchettoni?... no, non intendevo questo). Se non fosse che sto per menzionare gruppi, che seppur su etichette che fanno moda, sono minori, direi che a tratti gli elefanti si trovino idealmente in un punto mediano sulla retta che unisce i Keelhaul agli Old Man Gloom più cupi. Sul disco trovano spazio le comparsate di Luca Mai degli Zu e del mai sufficientemente osannato Eugene Robinson degli Oxbow (negro, gay e che fa musica estrema in un gruppo che mediamente viene considerato marginale perché è troppo senza senso: lo eleggerei immediatamente ad eroe di sempre) ma questi sono particolari secondari, anche se messe dove sono le due cose fanno la loro porca figura. Seppur con qualche piccolo neo, un gran bel disco che si staglia in modo netto dalla media dei gruppi che "minchia facciamo un gruppo come gli Isis?... come hai detto Neuros-che? Chi sono?" [Andrea Ferraris su Sodapop]

14 pezzi di purissimo old-school hardcore di derivazione apparentemente Indigesti/Sottopressione, ma con una violenza intrinseca decisamente autonoma. Voce femminile tiratissima, chitarra elaborata e frenetica, ritmiche arrangiatissime e lanciate a manetta. Testi in rigoroso italiano, ermetici e introspettivi quanto basta. Un prodotto per niente distante dagli anni ’80/’90, se non per la qualità superiore della registrazione. Per la mera cronaca, DIY Conspiracy è una sigla dietro cui si nasconde la seguente carboneria di autoproduttori: Mastello Recortz, AccidiaHC, Nuova Leva HC, Aigorecords, Equal Rights, Goldrings, Piccole Speranze, Full Speed Ahead Records, Donna Bavosa, New Direction Distro, Give Blood, K.LAS.… Digipack di ottima fattura, inserzioni campionate dal cinema più vicino, una cover criptata degli Anthrax (“Got the time”) e artwork finalmente disegnato a mano per un disco sicuramente da aggiungere alla vostra collezione accaccì. ”La battaglia del silenzio è un insieme di consensi che bene o male viviamo tutti i giorni e di cui soffriamo. Non è il rumore che logora le nostre vite, è il silenzio costante che fa da base alla quotidianità delle relazioni”. [Lamette]

Ci eravamo già occupati degli Edible Woman in occasione dell’uscita, all’inizio del 2004, del loro primo lavoro “Spare Me/Calf”, che ci aveva colpito per il piglio sicuro con cui mescolava furia noise e nervosismi post-punk. Ritroviamo ora la formazione con “The Scum Album” e, soprattutto, con una novità non da poco in organico: l’assenza della chitarra, il cui ruolo è ora ricoperto dalle tastiere. Un cambio di prospettiva potenzialmente radicale, che tuttavia pare essere stato di stimolo per la band, che pare aver notevolmente allargato orizzonti della propria proposta. Non si è quindi placata la rabbia degli esordi, ma ora non è più l’unica protagonista, al punto che in titoli come “When Stars” (con tanto di pianoforte) e “Antonio Fazio’s Last Prayer But One” si può tranquillamente parlare di atmosfere (relativamente più) rarefatte e di melodie. Anche in quei momenti, però, aleggia una sottile inquietudine, pronta a esplodere nel resto del programma, dall’ossessiva “Mystic River” (che non dispiacerà ai fan degli Oneida) a “Nothing” e “Honeyed Words”, o ancora nell’elettronica impazzita di “From A Taste Of Gez” e “To A Full Of Gez”, che aprono e chiudono il CD. Un lavoro tanto sorprendente quanto convincente, in cui una sezione ritmica tellurica si incastra alla perfezione con le rasoiate e i bordoni di organi e sintetizzatori e gli occasionali inserimenti di un sax ben poco rassicurante (la strumentale “Mouseman”), il tutto messo in risalto dalla impeccabile (co)produzione di Fabio Magistrali. Davvero notevole [Il Mucchio Selvaggio]

Da sempre più tempo sono oramai convinto che la qualità in Italia di un certo genere musicale sia superiore ad altre scene europee. Parlo di quel misto di stoner/garage/fuzz che da un po' di anni ci sta regalando tantissimi gruppi davvero impressionanti: Ojm, Smalll Jackets, Torquemada, Grand Sound Heroes, Alix, Midryasi, Kill The Easter Rabbit e sopratutto gli El-Thule. La band bergamasca giunge all'importantissimo secondo album dopo che con il debut di tre anni fa, "No Guts, No Glory", erano riusciti a suonare nei festival di mezza Europa facendo da spalla a band come Orange Goblin, Witchcraft e On Trial. L'inizio è affidato a "Shaman", riff maestoso a giro che si scatena in un boogie stoner rabbioso davanti al quale si rimane impotenti. E' strepitosa la voce di Mr. Action, uno che oltre a ululare canta anche (una rarità di questi tempi). "La Cruda" è rassicurante quasi come le urla che alleviano un dolore, fuzziana e pesantissima allo stesso tempo con una coda finale da infarto. "Adam Bomb" (uh, l'avranno dedicata a quell'Adam Bomb?), è incontrollata, una scheggia impazzita con assoli wha wha e batterista che getta le bacchette per usare due spranghe di ferro. L'atmosfera è quella di una musica caldissima, bollente, e anche l'uso della lingua spagnola nei titoli ne contribuisce ad aumentare l'effetto, come nella strumentale psichedelica "La Muela Del Diablo", che dopo un lungo, iniziatico intro preparatorio si fa sommergere da tom-tom tribali e parte una folle corsa verso il più buio dei mondi. C'è spazio anche per un brano come "Black Mamba" il cui riff iniziale sembra provenire da un disco degli Iron Maiden! Fortunatamente (o no?) poi le atmosfere plumbee ritornano a impadronirsi della scena. Questo è un disco di importanza capitale per il genere. Sessanta minuti difficili da dimenticare. [Nerds Attack]

Cosa volete che vi dica? La storia sarà la storia, e kina ne fa parte a piene mani; ma la classe è classe! e i Fontiera ne hanno come ne avevano i predecessori... anche se solo col nome! Questo è punk, che poi si è trasformato in emo che poi si è perso. Ma non per loro (e per noi...) 5 tracce co-prodotte da chi ne ha più ne metta... l'attitudine è immutata. Senza fonzoli... come se ne avessero bisogno... Nel booklet, come di consueto inseriscono delle belle esperienze/parole che a molto baldi giovincelli con la frangetta lunga potrebbero tatuarsele e lettere cubitali... ma ahimè siamo noi che abbiamo oltrepassato i trenta e ci avviciniamo ai 40. Ma siamo fieri! Fieri dei Kina. Fieri dei Frontiera! Provate a darci un ascolto. E poi mi dite... "Come dice Antonello RumbleFish, siamo malati cronici, per cui è difficile smettere e chiamarsi fuori..." Parole sacre, come quasi questo disco… [HateTV]

Se mai vi chiedessero quale sia la cosa migliore accaduta in italia nel 2004 insieme a with love e altro la risposta è senza ombra di dubbio g.i. joe, duo basso-batteria twenty-something stile the o.c. di stanza a treviso dal tiro esplosivo segnalatosi con un piccolo ma sbalorditivo documento noise-punk-funk matematico. licenziato dalla fooltribe dell'adorabile tiziano alias bob corn, entità folk sonnacchiosa a metà strada tra conor orbest e il will oldham meno cerebrale, clito's angels si muove in territori spigolosi riconducibili tanto al noise quanto alla new wave in cui sapienti e intricati fraseggi basso-batteria combinano botta e risposta abrasivi, cambi di tempo a non finire e bordate dance-punk dall'impatto micidiale. comincia anticipando addirittura gli ultimi irresistibili q and not u di power con patchwork, un brano zeppo di falsetti seventies che sul finire raddoppia la grancassa spianando la strada ad una formula dinamica ed aggressiva che per tutta la durata dell'ep rimane febbrile. nella fattispecie raggiunge il suo culmine con la chiusura uragano-tritatutto clito's angels, un numero di funk bianco d'alta classe coinvolgente ed eccitante quanto lo stesso titolo lascia immaginare...spaccano i culi! (che è brutto da leggere, ma bello da dire). [movimenta]

Un demo cd, un album completo e ora un ritorno che non solo conferma le magnifiche, terremotanti premesse degli esordi, ma che mostra come la scrittura dei nostrani Gerda si sia affinata, raggiungendo un picco di lucida ferocia invidiabile. Qualcuno lo può chiamare post rock imbastardito, qualcuno post hardcore strettamente imparentato con il grind più intransigente, quello che realmente conta è che siamo di fronte ad una punta di diamante dell’Italia musicalmente violenta e intelligente. I Gerda riescono con questo album per la lungimirante Wallace Records a confezionare un affresco di aggressione mirata, mettendo a segno sette brani che mantengono la ferocia come perno essenziale, ma diretta attraverso la capacità di scrivere solide strutture sonore ed arrangiamenti inaspettati e funzionali. Un suono corposo e disperato che abbraccia a tratti le digressioni percussive e dilatate di scuola Neurot (una materia sonora attualmente abusata, ma che nelle mani dei Gerda è ancora fortunatamente comunicativa e viva), a tratti le dissonanze del post rock più intransigente e meno prevedibile. Un lavoro ritmico eccellente, sudore, carne e rabbia come collante per una colata di materia rock (nel suo senso più ampio) sfibrata e sfibrante, ridotta a brandelli fumanti e ricostruita secondo logiche personali e disagi urbani. Ci sono band che pur collocandosi nella medesima area stilistica non raggiungono un decimo dei sostanziosi risultati che “Cosa Dico Quando non Parlo” centra con allarmante precisione, eppure incidono per etichette con budget decisamente più elevati. Un torto imperdonabile a cui dobbiamo rimediare supportando i Gerda, ed il coraggio della Wallace Records. [Ultrasonica]

Come dei Death of Anna Karina meno strillati e più scarni, complice la formazione a trio, i lombardi Go Down Moses esordiscono con un album pienamente convincente di post-hardcore schizofrenico, sfaccettato, graffiante. Affrontato con intenzione new-wave e capace di rivelare, insieme ad una materia prima di riff chitarristici squillanti e ritmi potenti e sincopati, soluzioni melodiche molto sentite (The return of the Shmoo, Something under the bed is still drooling, Discodancing on the dead), ballate ipnotiche e malate che prendono quota ed esplodono (We plant pumpkin seeds), esperimenti elettronici (la traccia fantasma), bordate ripetitive alla Oneida, break quasi ballabili. Tutto supportato da testi superiori alla media, e promettente belle cose future. (Rumore)

Si tratta di un lavoro instancabilmente scritto e realizzato da un gruppo aperto di musicisti e scrittori del Torinese, fra il 2001 e 2003. Su intrecci acustici e positivamente esili, molto ben costruiti e registrati, le voci ci riportano verso un mondo interiore che troppo spesso si rinnega, si ricaccia in un angolo del ripostiglio quotidiano. La stessa attitudine di Gusci Di Lumaca, come è composto, registrato, presentato, parla una lingua di assoluta distanza dall’intrattenimento. La gente, il pubblico vive nell’anestesia dell’Industria, a tutti i livelli, alti e bassi, di serie o di nicchia, perché non c’è ormai alcuna differenza: l’arte senza la Vita, che nasce dalla disperazione della solitudine e dalla spasmodica volontà di uscirne fuori, producendo, comprando, svendendo, drogandosi di riviste, mode, critichini. Se volete ritrovare quella radice emozionale primigenia, quella voglia di imparare 3 accordi e mettersi di fronte un foglio bianco e una biro, in altre parole il luogo di libertà che solo riporta l’arte alla Vita, ascoltate questo CD: come attraversare Carlo Giuliani, metropoli notturne, ospedali, Oscar Wilde senza retorica, senza mediazioni ma con tutta la potenza di chi ricerca l’urgenza della Poesia. [Stefano Giaccone sul suo sito]

Ne avevo avuto notizia tempo addietro da Manuel ma come recitava High Caliber Consacrator dei Clutch: "Prostrate yourself, your time has come!". Scontro fra titani della musica bastonata spaghetti-made per tre categorie diverse, chi sia il vincitore della "royal rumble" sta a voi, è chiaramente soggettivo e non sempre chi vince porta via tutto, anzi, come dimostra il buon vecchio Iron Mike a volte chi perde si può portare via un pezzo di avversario fra i denti. I tre wrestler non deludono le aspettative e menano senza andare troppo per il sottil, se qualcuno storcendo il naso potrebbe esprimere delle titubanze sugli Ovo, invece si adattano senza problemi mantenendo solida l'integrità di questa spremuta di porfido. Partono gli Inferno con registrazione e produzione ulteriormente migliorata rispetto al cd, continuo a preferirli dal vivo, ma se l'esordio vi aveva strinato, non rimarrete delusi dall’aperitivo. Gli Psychofagist per quel che mi riguarda sono uno dei migliori, se non il migliore gruppo grind al di qua delle Alpi, soprattutto per ciò che concerne la resa su disco, forse la produzione (comunque ottima) non sta dietro al gusto dei pezzi, ma resta che pur non essendo ancora "the next big thing" hanno più personalità di alcune produzioni Relapse. Gli Ovo forse sorprenderanno chi ricorda gli esordi, ma chi è passato sul disco Load o li ha visti nei live recenti, sa che Dorella-Pedretti si sono rispolverati (l'hanno mai dismessa?) la collezione di "hardcore-metallo della morte" e vanno di asso di bastoni. Metal quindi? No, per nulla, visto che comunque fare metal in due o grind è roba da Agoraphobic Nosebleed dei primordi, ma primi Swans, quello sì: altro che Soundtrack For The Blind, altro che dandy di classe, c’è stato un tempo in cui anche Gira lasciava più segni degli aerei di Al Quaeda. Copertina extralusso ed intercambiabile in base a quale supereroe vi vogliate giocare e titolo conforme al tipo di operazione, se a ciò aggiungete che comunque "le tre madri" hanno seguito ed adepti in tre diversi ambiti, non credo rimarrete sorpresi se ipotizzo verrà smazzato molto velocemente. Per altro permettetemi di concludere con un bel: "più split e meno compilation!!". [Sodapop]

...dischetto 3", quattro tracce registrate in analogico in un pomeriggio soltanto, sette minuti di musica, ma tanto basta a Woolter e Anna per dare conferma alle nostre lodi sperticate. Niente di nuovo, i soliti terroristi sonici, ma in fondo, non è così che ci piacciono? Un estratto da "La classe operaia va in paradiso" con il grande G.M.Volontè (e colonna sonora superba di Morricone) apre l'iniziale "Me sò ciamà pentio", che non ci mette nemmeno dieci secondi dalla prima nota a bombardare: hc e noise, ovvero spigoli tanti, casse sfondate e carrellate di nervi scoperti. E così si continua: "Ea coa del musso", che fila più liscia ma è ancora più incazzata, se possibile; "Hey", spazzatura albiniana da manuale, e per finire "Scusa se me peteno", che se fosse umana sarebbe qualcosa tipo un assassino colto da dubbi e crisi di misticismo sul più bello, o qualcosa del genere, ci siamo capiti, forse… [Kathodik]

Per questo disco abbiamo dato tutto, tutto noi stessi. Cinque amici che cercano di parlare con altri amici, che cercano di creare quel varco indispensabile per non morire. Un approdo per noi, un mezzo di salvezza, un’arma. Non è semplice musica, non lo è mai stata. Sono parole, parole che vogliono comunicare e non essere cancellate. Ci siamo noi tutti qui.

Jesi. Tre ragazzi. Debutto discografico. Registrazione di Giulio Favero. Un marchio. Una griffe ormai riconoscibile. Violenza sonora. Distorsione. Cantato abrasivo. Feroce. Vandalismo musicale rigettato contro un muro. 'Juice Of Bimbo' è un'altra corsa sfrenata sulla strada che ha già portato ad eccellere da queste parti Putiferio e Butcher Mind Collapse. Chitarre che stridono ('Magnete' è un pezzo bastardo di noise'n'roll lascivo), batteria lanciata a duemila chilometri orari ed un basso killer duro come l'incudine di un fabbro ferraio. Otto proiettili di fusione "core". Non sono ammessi prigionieri. La guerrà è guerra. E i Lleroy sono pronti alle armi. [Nerds Attack]

Due bassi storti dialogano ronzando, la batteria sorregge ora una voce maschile filtrata e robotica, ora una femminile sanguigna e sensualmente depressa. Attitudine no wave e slancio noise rock, come i Fugazi alle prese con le indiavolate trame di James Chance: e ogni tanto spunta un bel sax delirante, a confermare quello sguardo sbieco, e leggermente fuori fuoco, da scantinato newyorchese. Canzoni nevrotiche quindi, che si agitano nell'oscuro ventre degli Anni '80-'90 e che sanciscono le qualità del gruppo di Laura Sghedoni: "I'm Ready" e "And The Winner Is" sono le bombe da far esplodere, con il giusto mix di frenesia e piglio pop. Ma, oltre alla tensione ritmica sapientemente giostrata, nel finale il cd regala dell'altro: l'immobile tossicità di "Brilliant", la fluttuante ossessività di "Spring Second Day" e la lenta ma inesorabile stratificazione di "I Don't Remember Anymore But I Started To Float", tre pezzi lenti accompagnati da tenui e centrati arrangiamenti di piano, che riportano alla mente certi mood persi e riflessivi dei Velvet Underg