"Non servono più di 17 minuti per farsi colpire al cuore." (Ondarock)
"Fuggitivi, maldestri, lirici e possenti, gli Altro mettono a segno un bello schiaffo in piena faccia. O un bacio in bocca. Che la loro musica è fisica. Di carne e cemento armato. E sembra di poterla afferrare." (Vitaminic)

"... a great cat named tiziano (stage name: "Bob Corn") opens up the show on solo acoustic guitar and singing - he does some beautiful tunes that are very soulful, dancing skips w/his feet (even though he's sitting) to accompany him..." (Mike Watt / Minutement, the Stooges)
"E' un disco bellissimo. Essenziale. Che vi riempirà la testa e poi se ne andrà. Come un padre. Vi terrà al caldo. Vi farà vivere altrove. Vi farà bene. Tenetelo tra le cose più care." (Rockit)

"...la formazione nasce dall’unione di musicisti già attivi con nomi quali Laghetto, Revolution Summer e Summer League, per dare qualche coordinata sul background dei tre D.U.N.E. e per iniziare la nostra marcia di avvicinamento ad un universo sonoro a dir poco interessante. Il sound che trapela dalle cinque tracce presenti in questo esordio è dilatato ma al contempo denso, spaziale eppure profondamente terreno. Gli stessi suoni elettronici che vanno a creare interferenze nella struttura prevalentemente “rocciosa” delle partiture, richiamano alla mente una spazialità decisamente umana e fallibile, come le goffe astronavi che solcavano pesanti i cieli nei film di qualche decennio fa..." (Audiodrome)

"Nu-metal? Vade retro! […] Un gran bel disco che si staglia in modo netto dalla media dei gruppi che "minchia facciamo un gruppo come gli Isis?... come hai detto Neuros-che? Chi sono?" (Andrea Ferraris su Sodapop)

"Quanti di voi ricordano ancora i mitici gadget di Thrasher Magazine e il famoso logo della rivista, che negli anni Ottanta spiccava su cappellini e magliette di molti skater e di numerosi musicisti di estrazione hardcore e metal? Se rientrate nel novero di coloro che hanno avvertito una fitta di nostalgia nel leggere queste righe introduttive, troverete pane per i vostri denti in Nailed To The Board dei bolognesi ED, robusto esempio di crossover tra skate rock e thrash-core, nato per accompagnare le scorribande a bordo della vostra tavola. A differenza di molti progetti similari, gli Ed hanno optato per un suono crudo e reale, che si abbevera direttamente alle fonti (in alcuni punti le chitarre ricordano addirittura i Black Flag) e non al classico crossover di seconda generazione, ovverosia alla sua variante ipervitaminica e metallizzata che oggi funge spesso da modello per i gruppi di scuola bandana-thrash. Nessuna distorsione roboante, quindi, piuttosto quella compressione che porta con sé l’odore della cantina e della rampa costruita nel giardino, un po’ più sporca e grezza, ma irripetibile nella sua capacità di riportare in vita l’originale spirito skate e non una sua mera ricostruzione postuma. Se, del resto, nello scorrere i titoli ci si imbatte in una perla come “Cliff Burton Rides Free” e nella cover di “Keep Laughing” degli R.K.L., si può intuire quali siano le coordinate entro cui veleggiano questi fanatici del connubio skate/thrash. Da sottolineare anche l’ottima grafica a cura di Marcello Crescenzi, davvero perfetta nel dare un’immagine allo spirito dell’album. Skate Or Die!" (Audiodrome)

Secondo capitolo, ad un anno e mezzo dall’esordio per la Fuzz Orchestra, che fa un grande salto di qualità rispetto al già validissimo primo lavoro. Il sound si è fatto più saturo, ma anche più variegato. ‘Comunicato n° 2’ è, infatti, infarcito da diversi generi. Il trio parte con il techno-punk, che si evolve in noise-jazz-core, de Il terrorista, fino all’intrigante ed affascinante grunge-stoner serrato che si miscela con il free jazz di Marmo rosso sangue, passando per il doom non metal-free di Luglio 01 e i riferimenti al prog italiano dei ‘70, ovviamente rigorosamente fuzzato dell’unico brano cantato Volo fuzz n°1. Come per il lavoro d’esordio, anche in questo ‘Comunicato n°2’ non mancano le citazioni di politici della prima repubblica e cinematografiche, tra queste ultime la più intrigante è stata inserita in Hanno cambiato faccia , dove c’è un pertinentissimo legame con il dramma politico e sociale che stiamo vivendo, quando uno dei personaggi dice “Avete cambiato faccia, ma continuate a succhiare il sangue alla gente”. Non c’è altro da aggiungere. (Kathodik)

"Tra le diverse influenze che possono vantare gli Hiroshima Rocks Around ci sono senz'altro tre gruppi americani i cui nomi sono tanto importanti quanto ancora troppo misconosciuti anche nei sotterranei. Si tratta di US Maple, Arab on Radar e Pussy Galore, musicisti che hanno come denominatori comuni il fragore, l'assordamento e i rimandi ad un'America antagonista nella quale si mischiano vaghe reminescenze rurali (il blues del delta), avanguardia rumorista (la no-wave di New York) e un'attitudine eversiva (il punk-hardcore). L'intento è quello di produrre una versione psicotica e sconnessa di generi tradizionali quali rock'n'roll, blues, country, ecc. Gli Hiroshima Rocks Around non riescono certo a superare l'efferatezza dei loro corrispondenti americani, ma fanno ugualmente la loro bella figura. Il loro pregio migliore è quello di conservare un minimo di musicalità che renda ascoltabili e conferisca una precisa identità alle loro canzoni. In ogni caso rumore, dissonanze e ritmi parossistici dominano in lungo e in largo su questo "HRA666". E nel panorama italiano spiccano di certo proponendosi come un punto di riferimento per chi voglia cimentarsi in questi suoni e voglia rendersi conto di quanto è agguerrita la concorrenza. Vale la pena segnalare anche alcune note a margine che possono conferire un ulteriore valore a questo disco. Innanzi tutto la presenza di Luca Mai degli Zu che presta il suo sassofono alla causa dei Nostri su "See, you, goodbye Johnny". Ai nostalgici dei 33 giri farà piacere sapere che questo disco è stampato in vinile. Infine chi è sensibile alle problematiche sul copyright sarà contento di sapere che gli Hiroshima Rocks Around sostengono la causa del copy-left (il corrispettivo dell'open-source in informatica)." (Rockit)

"Something Better, Television e Introspective sono pietre scagliate sui bordi della nevrastenia da un cantato teso e dai colpi precisi di un'instancabile sezione ritmica, anche e soprattutto dal vivo. Mr. Albini è avvisato." (Rumore)

"I June Miller in questo ep hanno messo sentimento, passione, entusiasmo, interessanti chitarre, atmosfere lievemente rarefatte, pulsazioni. Sono cinque pezzi legati da un potente gusto stilistico, da un percorso strumentale complesso e non banale ma che arriva al cuore direttamente, senza cercare vie di fuga. Non a caso si può parlare di mini concept-album, magistralmente post-prodotto e missato con l’aiuto di Chris Crisci (The Appleseed Cast). Il gruppo dice d’ispirarsi per le tematiche all’universo “philipdickiano” in generale e alla traduzione filmica di Blade Runner in particolare, cercando quelle sensazioni, quelle sfumature d’intenzione: il tintinnio delle gocce di pioggia che si rincorrono, di continuo, come trama e ordito liquidi negli intrecci delle armonie, la tensione quasi di fuga, sicuramente di ricerca dell’alt(r)o nelle cadenze, e quel senso di (dis)umanità in bilico, sempre domandata, nelle linee cantate. Io dico semplicemente che sono canzoni a cui poter affezionarsi istintivamente, perchè sono toccanti negli arrangiamenti, perchè riscaldano e fanno riflettere, perchè toccano i tasti dell’indie rock trovando una propria personale sfumatura ed un unico sapore. I June Miller vanno nella giusta direzione." [Soundmagazine]

"È un suono viscerale e tormentato quello che delinea le tracce a firma Lady Tornado, materia pulsante che ha la stessa consistenza del corpo umano: carne e ossa e sangue, elementi sparsi a caso sul pavimento e ricomposti senza seguire alcun manuale di anatomia. Differente l’approccio che contraddistingue The Infarto Scheisse, meno belluino ma non per questo meno reale: i contorni si fanno più precisi, ma la visione di insieme non è per questo più tranquillizzante. Al contrario, l’urgenza di esprimersi diviene schizofrenica e passa dall’esplosione all’implosione, dalla rabbia riversata sugli altri alla disperazione di chi si chiude sempre più in sé stesso." (Audiodrome)

"Il concetto è semplice: quintetto da Bologna. Gli ospiti sono rinomati: Carlo Masu e Ferruccio Quercetti (Cut), Jukka Reverberi (Giardini di Mirò). L'artwork e la fotografia sono a cura rispettivamente di un mostro (Tae Won Yu) e una fata (Giulia Mazza), con risultati conseguentemente fiabeschi. La produzione artistica è di un certo livello: Brian Deck (chi non sa chi sia salta la cena); le due etichette pure: Deep Elm da un lato, Unhip Records dall'altro. Dicasi Settlefish il totale (che non è solo la somma) degli addendi precedentemente elencati. E voilà…" (Carlo Pastore su Rockit)

"Memories from the european tour shared on June 2007. How can anybody be other than enthusiastic in front of such a clash? Dissonant, slightly disturbed music on both sides! But god created woman jump on your ears with chaotic tunes belonging to the no-wave scene raised by bands like Arab on radar and Ex-models. Talibam! start their one and only song with the core line-up Shea-Mottel (drums and synth blurbs) and get filled by guest appearances leading them into a psychedelic jam session." (Holidays Records)

"I TIOGS sono uno dei segreti meglio custoditi della scena indipendente italiana, nonostante l'enorme numero di concerti in giro per l'Italia e l'Europa. Un fatto che, a pensarci bene, è uno scandalo vergognoso. Che speriamo venga cancellato con questo nuovo "We Built Today". E diciamolo subito, allora. I Tiogs hanno inciso il loro capolavoro. "We Built Today" è un album sorprendente. Per la qualità di scrittura. Per l'abilità di rileggere il passato con la spensieratezza di chi non ha nulla da dimostrare, se non di saper produrre grandi canzoni rock. Per la capacità di sdoganare la dissonanza senza perdere d'occhio l'accessibilità. Noise per le masse, dunque. Senza che questo suoni come una bestemmia." (Rockit)

"Il rumore non è mai fine a se stesso, ma è sempre frutto di un sintomo di un malessere interiore, che deve in qualche modo essere esplicitato e quindi sfogato. Ok, lo so qui non stiamo facendo una diagnosi, ma una recensione, eppure nei solchi di questo cd, emerge inevitabilmente questo passaggio, questo malessere. D’altronde l’arte ha storicamente una funzione catartica e questo in primo luogo per l’artista e poi per l’utente. Andiamo nello specifico di questo cd e agli Ada-Nuki, duo tarantino, che con il supporto di alcuni amici, tra cui Michele Maglio fondatore della Psychotica e Francois Cambuzat, e con il lavoro dietro la consolle di Fabio Magistrali, pubblicano il loro secondo lavoro per la Whosbrain, etichetta francese. I due musicisti suonano semplicemente una batteria ed il basso, oltre ad alcuni effetti. Il risultato è sorprendere, perchè se alcuni dui garage rock’n’roll ci avevano sorpreso per la loro energia e carica essenziale, virando verso un punk-rock forsennato, gli Ada-Nuki sperimentano tutto quello che possono sperimentare con i loro strumenti. Se il loro approccio è jazz, infatti. il risultato è un noise disorientante e continuamente rimesso in discussione da spezzettamenti, ipnotismi, accelerate scoordinate e rallentamenti ipnotici, per non parlare poi dell’industrial noise o della discesa agli inferi in compagnia di Bruno Dorella e consorte. Un’altra frontiera del noise si è aperta in Italia." (Kathodik)

"Allun et sise, nulla esiste probabilmente dietro le quindici tracce squinternate che compongono l'album d'esordio di queste quattro fanciulle di Vigevano con la passione per i Residents e per gli anagrammi. Nulla esiste almeno a livello di significato, perché in quanto a estetica, creatività e pathos, ce n'è di che insegnare a tanti pretenziosi musicisti classici. No wave, certo, come altro si potrebbe non definire la musica di queste non musiciste? […] Bisognerebbe costringere tutti i patiti di fusion ad ascoltare questo disco per insegnar loro come si fa a creare emozioni in musica e stupire veramente l'ascoltatore." (Rockit)

"Che cosa ci fa un gruppo noise-garage-blues nel catalogo della Wallace Records, perlopiù orientata verso i territori dell’avant rock e della sperimentazione? A rendere la proposta del duo bolognese perfettamente congeniale all’etichetta suddetta è un’attitudine abbastanza fuori dagli schemi. Innanzitutto, una strumentazione scheletrica e minimale (solo chitarra e batteria), poi una presenza scenica che non lascia indifferenti: un ragazzo e una ragazza che indossano maschere da wrestler messicani, e si dimenano sugli strumenti come degli ossessi. E infine la musica: un r’n’r primordiale, convulso, frenetico e selvaggio, che unisce garage, noise, blues e un pizzico di no wave e free rock..." (Mucchio selvaggio)

Let Fender sponsor them and they'll take over the world!

"La Madcap continua imperturbabilmente nel suo percorso all'insegna del folk, per dirla tutta: dell'indie-folk. Anche questo disco firmato Andrea Rottin non si sottrae dalla denominazione di origine controllata di cui parlavamo, anche perché sembra che a Rottin non crei alcun problema e venga molto spontaneo suonare in questo modo. Se siete già pratici di quest'etichetta del nord-est saprete anche che bene o male si occupa di folk melodico ma tutto sommato eterogeneo, quindi si passa da quello rifinito e ben prodotto come Beatrice Antolini a quello ruvido e sghembo Little Brown And Pentolino transitando anche in questo Songs About Nightmares che potrebbe essere ascritto nella seconda categoria e cioè del folk suonato in modo fieramente lo-fi. Musica di radice americana tanto da recare reminiscenze di Violent Femmes e dei Califone più tradizionali (e più vecchi), e del cantautorato ridotto all'osso. Potremmo anche parlare di Pollard da solo armato di voce, acustica e senza distorsione di fronte al suo quattro piste, quando i Guided By Voices erano ancora "guidati da una scrittura di una qualità" disarmante. Cantautorato lo-fi per l'appunto, la base del pezzo d'altronde non va oltre l'unplugged acustico per scelta, ma ribadisco che si tratta un po' di un marchio di fabbrica della Madcap. Rottin sa fare il suo, tant'è che tutto gira bene, forse manca solo un po' quel guizzo per non perdersi nel mare dei musicisti di genere e questo nonostante le ruvidezze e le slabbrature gettate a macchia per sporcare la tela. Di umori alterni che vanno dal sonnolento, all'alterato, all'arrabbiato, ma soprattutto con uno scazzo che mi ricorda qualche vecchio numero del catalogo K e Kill Rock Star (le cose meno rock si intende). Un lavoro ben fatto, forse un po' acerbo e soprattutto molto di genere, se però siete sintonizzati su queste frequenze potreste sicuramente apprezzare la spontaneità del disco." (Andrea Ferraris su Sodapop.it)
"Su e giù per circa una mezz’ora di edificante “catastrofe” creativa. Prelibatezze pop acid folk & Co. inversate a U lungo il piacevole straniante viatico di queste dodici “strafatte tracce” che scarabocchiano l’album d’esordio di Andrea Rottin, musicista e membro fondatore del trevigiano collettivo Madcap. E del resto cosa ci si poteva aspettare che uscisse dal doppiofondo senza fondo di questo effervescente “Cappello Pazzo”? Conigli a pois e teiere fumanti di appagante e per una volta legale “LSD, Lisergic Sound Delicatessen”. Il personaggio Rottin offre intricate soluzioni alla portata di tutti, fa e disfa metriche, liriche in un approccio sostanzialmente e modernamente contaminato di piede cantautorale; un talentuoso “imballaggio sonoro” che scandaglia la scarna acustica del folksinger strampalato e dreamer, il lo-fi eroico dell’indie-pop intimista e la ricerca astratta dell’off-out stilistico di piccole ingegnerie “pazzoidali”. Ingredienti che fanno di questo musicista un quasi ibrido di Hansen Beck e Badly Drown Boy del Nord/Est italico. “Songs about nightmares” è un crogiol-album policromatico, un discount psicotico dove trovi di tutto e di più della sua incoerente coerenza: le ballad- psicho beat (“Austria”, “Country style”), i rumorismi svagati (“Gentle voices”, “Sousedovic pes”) le dolciastre desert session del dopo mezzanotte under alcool di provincia (“Elegy”, “Lookin glass”), lo shake elettrico fuori quadra (“And no businessmen out there”) e tanto tanto altro ancora pronto a deliziare chiunque con il suo temperamento indefinibile accuratamente epidermico e grezzo. Da noi recensori ci si aspetta sempre quel non so che di sadismo nel cercare il minimo difetto, la pagliuzza fuori posto, il classico pelo nell’uovo in ogni cosa che “suona” sotto la nostra lente di ingrandimento; ma anche noi abbiamo (come tutti) un abbozzo di tallone di Achille, e, quando qualcosa di buono trafigge il tendine teso della meraviglia, si recede mnemonicamente a semplici fan deliziati e stacchiamo la tastiera. “Songs about nightmares” di Andrea Rottin è veramente un album speciale e mai ripetitivo, dal quale, a fine corsa, ci si può sentire modificati. Al punto da dimenticarsi del pelo nell’uovo." (Massimo Sannella su Mescalina.it)

"Fa piacere scoprire che nel 2009 si può ancora suonare hardcore con energia e passione, senza per questo stravolgerne il senso o – peggio - riproporre stancamente abusati cliché. Gli Army Of Angry Youth pestano sugli strumenti come ne andasse della loro stessa vita e non si perdono dietro inutili manierismi, continuano un percorso tracciato eoni orsono, ma lo fanno in modo personale e moderno, così da travolgere l’ascoltatore e trascinarlo di nuovo al centro del pit, ancora una volta con l’indice alzato e la voglia di stare insieme. Troppo spesso si parla a sproposito di old-school per descrivere gruppi metal alle prese con una rivisitazione ipervitaminica di ciò che una volta era l’hardcore, con Nobody Moves Nobody Gets Hurt si riportano le cose entro una gusta prospettiva e si torna a suonare d’istinto. Tutto già sentito diranno alcuni, eppure lungo queste dieci tracce si avvertono prepotentemente l’urgenza di comunicare e la voglia di condividere le proprie emozioni, capacità invidiabile se si considera che proprio questi sono i cardini attorno a cui ruota da sempre il linguaggio di riferimento prescelto dalla formazione. Riff serrati, stop and go, corse a perdifiato, vocals sofferte, cori trascinanti, tutto frullato insieme per una magia che in molti tentano di ricreare in laboratorio, ma fortunatamente destinata a restare patrimonio dei pochi che la vivono sulla pelle. Potrà apparire retorica di basso profilo, ma è anche il solo modo possibile per descrivere un disco che prende allo stomaco e trasuda genuinità da ogni poro. Non un miracolo, ma di certo una bella boccata d’aria fresca in mezzo a tanto smog." (Audiodrome)

"Dalla provincia di Pordenone. Da Maniago. Dal mai troppo pubblicizzato Friuli. Qui agisce la volenterosa etichetta Knifeville che ha recentemente dato l'input discografico a Nervous Kid e Ten Thousand Bees. Proprio da quest'ultimi si "stacca" momentaneamente il bassista Fabio Arnosti per creare un'assoluta delizia uditiva: Arnoux. Produzione affidata ad Enrico Berto per otto piccole liquidità sonore come le immagini riportate all'interno del booklet fotografico "muto". La canzone di memoria Anti immersa fino al collo in un'elettronica mai invasiva, mai stucchevoile, mai disturbante. Senza eccessi, senza stonature forzate, senza snobismi. Arnoux scorre delicato con fattura d'autore. La cura. L'accortezza dei suoni. La dolcezza. Come 'Mia & Me' potenziale singolo tratteggiato da un vortice pop accompagnato da una graziosa voce femminile. Materiale raro in un'epoca accelerata. Materiale da conservare." (Emanulele Tamagnini @ NerdsAttack.it)

"Torna il dolce Marco Degli Esposti figlio legittimo di madre melodia e papà rock acustico. I petali di rose bianche sparsi quasi come un tappeto di note armoniche accolgono questa voce e le sue melodie che ascolteremo di anteprima assoluta. Aveva esordito due anni fa con uno spendido ep: "The boy, the wolf & the old riverland trees" autoprodotto in cui riversava le prime emotività della sua chitarra. Adesso speriamo ci porti la bella notizia di un'etichetta pronta a pubblicarne l'estro musicale" [Radio Sherwood]

"Raro vedere uno split tra un gruppo italiano ed uno straniero: questo nasce dal tour Europeo delle due bands ed ha l'idea bizzarra di coverizzare due canzoni di Adriano Celentano... Cover per fortuna non molto aderenti agli originali! Le canzoni in questione sono 24Mila Baci per i Candies e Napoleone Il Cowboy E Lo Zar per gli Atombmbpocketknife, gruppo che pur non creando niente di veramente nuovo è veramente piacevole, i loro dischi sono di quelli che alla fine restano nel vostro stereo più spesso di tanti nomi blasonati…" (Sodapop)

"Dalla motor city italica con la bandiera del DIY in una mano e quella dell'hardcore nell'altra, i Belli Cosi di Torino Rock'n'Roll Starz (Sborra e Smartz records) divertono, fanno pensare e a tratti mozzano il fiato con l'intensità lancinante di alcuni passaggi. Old school al meglio della forma" (Rumore)
"Ti levano le parole di bocca e te ne insegnano anche altre che ancora non conoscevi…" (Mammamiaquantosangue)

"Anni '60. Un juke box. I dischi trasmessi per radio. Alcune tracce di questo cd dei Big Member riportano indietro nel tempo. Atmosfere sixties, pop'n'roll ma anche dissonanze indie-rock. Diciassette pezzi per un totale di quasi 30 minuti di musica che scivola via veloce e armoniosa, che potresti lasciare suonare a ripetizione mentre scorre il tempo. Che non annoia e anzi ascolti piacevolmente […] Un gruppo italiano che canta benissimo in inglese al punto da non sembrare una band nostrana. […] Un disco da canticchiare, spontaneo e coinvolgente." (Rockit)

"Arm your cameras proviene veramente da Genova, è un disco fatto in Italia che però ha un respiro profondamente internazionale. Questa piccola chicca da esportazione porta la firma dei Blown Paper Bags, riunitisi sotto tale sigla solo dallo scorso anno, ma provenienti tutti da precedenti esperienze in altre band cittadine. Ciò a cui assistiamo nelle sette tracce di questo mini-album è un'esplosione più o meno incontrollata di sonorità viscerali, tra ritmi stortignaccoli e spezzati, synth malconci e impazziti e bassi grassi che spargono olio sulla pista sempre più scivolosa. […] Un debutto assolutamente convincente, elettrizzante, bello come un diamante grezzo." (Rockit)

"Qualcosa di Bob Corn rientra nell’ordine del meraviglioso. non è facile spiegare la ragione per cui la sua musica, così semplice, è allo stesso tempo anche così sottile e complicata. da un lato le parole delle sue canzoni sono inequivoche e pulite, raccontano di caffè nero, tradimenti, paure ed, ovviamente, parlando di tutto questo, parlano essenzialmente d’amore; dall’altro le frasi della sua chitarra non sono da meno ed, anzi, gli si darebbero a cuor leggero esattamente gli stessi attributi e le stesse ragioni d’essere..." (SentireAscoltare)

"... a great cat named tiziano (stage name: "Bob Corn") opens up the show on solo acoustic guitar and singing - he does some beautiful tunes that are very soulful, dancing skips w/his feet (even though he's sitting) to accompany him..." (Mike Watt / Minutement, the Stooges)
"E' un disco bellissimo. Essenziale. Che vi riempirà la testa e poi se ne andrà. Come un padre. Vi terrà al caldo. Vi farà vivere altrove. Vi farà bene. Tenetelo tra le cose più care." (Rockit)

"Venti minuti e sette tracce per un totale di scariche elettriche e grezzumi post punk. Gli strumenti si imbottiscono le tasche di psicotici e partono, realizzando un album confusionale e dissonante, duro ed instabile quanto può esserlo il fuggiasco da un centro di cura permanente. Sono cavie fuggite da un centro di sperimentazione ancora con i fili e le tubature legate alle tempie." (Rockit)

"Per festeggiare i loro ormai 22 anni di attività i liguri CGB fanno uscire un album live che si intitola con brillante ironia "Meglio dal vivo che dal morto - Live 1989-2008". Si tratta di dieci brani registrati dal vivo, appunto, nei centri sociali La Talpa e l'Orologio il 09/02/2008, cui vanno ad aggiungersi delle registrazioni recuperate dal loro glorioso passato, contraddistinte da suoni certamente più precari, del 1989, 1990 e 1991 (con Marcello "Ubi" alla voce e "Franci" alla batteria). E questa è la mera cronaca. Tutto il resto è passione e hardcore. Questo album è infatti una testimonianza, un documento, un monumento dell'hardcore vecchia scuola, senza compromessi, senza cedimenti, all'insegna di antagonismo, intelligenza e orgoglio. I testi, da sempre in italiano, si distinguono per freschezza e intelligenza, aggressività e profondità. La ripresa di questo live imperiese dei CGB è essenziale - priva di quei "trattamenti" degli album dal vivo a seguito dei quali tutto viene ripreso e riregistrato in studio, e nei quali l'unica cosa originale è il pubblico, ma spesso quello di un altro concerto... - ma genuina e pregnante, riuscendo a riproporre la potenza live della band, che garantisco per esperienza diretta, non è davvero poca. Ogni brano trascina potentemente, da "Veleno", "Icaro", "Stanze" , fino alla fondamentale e indelebile "Brucia", in cui l'invito a bruciare è gridato in faccia, con la potente e rabbiosa voce di Davide, a Imperia, ma con lei bruciano Torino, Milano, Roma e tutte le città, e brucia l'Italia, convenzionale e corrotta. Non è per dire: i CGB contribuiscono all'hardcore, quello vero, di cui hanno scritto e continuano a scrivere la storia." (Babylon magazine)

"Il lavoro di Rocchetti risulta di più difficile decodificazione, così sospeso tra drone music, psichedelica kraut e post rock. Numeri ambient che strizzano l’occhio all’estetica glitch (We Got In Touch, Talked On The Phone) ma anche echi dei recenti 3/4hadbeeneliminated (It Was Purely Accidental, He Said). Le due tracce più convincenti sono senza dubbio Auf Gebauten Bauen e I Miss You Like Hell che trafficano con drones di varie nature - vocali la prima, strumentali la seconda - per poi sfociare in sinfonie mantriche ed elegiache a metà strada tra Double Leopards e Coil. Another Piece Of Teenage Wildlife la cui forza risiede in una compattezza d’insieme che non rinuncia ad una varietà di stili, si impone sin da ora come il più completo ed emozionante episodio del Rocchetti solista." [SentireAscoltare]

"Split che affianca uno dei nomi più interessanti dell'underground italiano e una formazione veterana della scena di Toronto. Aprono i fiorentini miranda, e quanto di buono disse lo scorso anno l'album rectal exploration viene ribadito e spinto oltre. Ancora più originali e focalizzati, i tre si muovono infatti con personalità fra gli Oneida più krauti, certi Liars e un LCD soundsystem scassato e minimale, con sfregi free e andamenti dub malati. Senza sfugurare affatto (anzi!) di fronte ai più esperti colleghi canadesi. Che la leggenda vuole formatisi nel 2001 a un concerto tributo ai Fall, e che annoverano proprio Mark E. Smith e soci fra le influenze principali del loro art-punk, insieme soprattutto agli EX." (Rumore)

"...la formazione nasce dall’unione di musicisti già attivi con nomi quali Laghetto, Revolution Summer e Summer League, per dare qualche coordinata sul background dei tre D.U.N.E. e per iniziare la nostra marcia di avvicinamento ad un universo sonoro a dir poco interessante. Il sound che trapela dalle cinque tracce presenti in questo esordio è dilatato ma al contempo denso, spaziale eppure profondamente terreno. Gli stessi suoni elettronici che vanno a creare interferenze nella struttura prevalentemente “rocciosa” delle partiture, richiamano alla mente una spazialità decisamente umana e fallibile, come le goffe astronavi che solcavano pesanti i cieli nei film di qualche decennio fa..." (Audiodrome)

"Dejligt, prima uscita della neonata etichetta Matteite, è un progetto di Matteo Dainese - originariamente batterista di gruppi come Ulan Bator, Meathead e Here (ma anche di Jitterbugs, Warfare e Bikini Bandits) - e di Enrico Molteni, già bassista dei Tre allegri ragazzi morti. Un progetto avviato durante i live del 2005 e concretizzatosi nell'anno in corso, con un album ricco di ospiti: alcuni legati a Dainese da comuni esperienze musicali, come Colin Lee e la fondamentale Carolyn Honeychild Coleman (controparte vocale al femminile) e altri "esterni", come Troy von Balthazar dei Chokebore, Rob dei Mazuraaan e Enrico Berto. Un esordio dal suono riconducibile per certi versi ai dEUS del penultimo lavoro e alle atmosfere degli Yuppie Flu, nel caso in cui potessero subire, gli uni e gli altri, una sorta di processo di svuotamento nelle componenti sonore. I dEUS di "The ideal crash" ritornano sia in un cantato che all'improvviso inizia a rincorrersi nervosamente ("Beat the Gong"), sia in alcune estensioni armoniche ("My favorite supervisor"). In generale "Feed the dog" è un album leggero e colorato, fatto di aperture e melodie pop, in cui la strumentazione tradizionale, discreta nella parte ritmica e protagonista nel resto, si fonde con quella che può essere definita un'elettronica-giocattolo. Un'elettronica bambina che a momenti gioca a fare la grande, assumendo temporanee pose glitch-pop ("Behind the curtain"), ma che preferisce flirtare con le chitarre, il basso e la batteria nella creazione di morbide - a volte quasi gommose - linee sonore ("Never go back", "Take the first self-leaving") che accompagnano liriche narranti una quotidianità appartenuta ai luoghi più diversi e, per certi versi, ancora in svolgimento. Vita ordinaria, persone e riflessioni, come la semplice, ma vera "people don't see us as we are, but as they like" di "Spider man". Insomma, un album molto, molto carino, ma non fenomenale." [Rockit]

"14 pezzi di purissimo old-school hardcore di derivazione apparentemente Indigesti/Sottopressione, ma con una violenza intrinseca decisamente autonoma. Voce femminile tiratissima, chitarra elaborata e frenetica, ritmiche arrangiatissime e lanciate a manetta. Testi in rigoroso italiano, ermetici e introspettivi quanto basta. Un prodotto per niente distante dagli anni ’80/’90, se non per la qualità superiore della registrazione…" (Lamette)

"...Già il fatto che gli Eat The Rabbit raggiungano a malapena i sessanta anni in tre mi riconcilia con la musica suonata: basso e korg sopra le righe a battere il tempo; batteria secca e adrenalinica, doppia voce screameggiante alla blood brothers periodo 31G (quindi senza raggiungere le vette da checce isteriche che hanno decretato l'inevitabile declino di una certa musica che esibiva la sassyness come garanzia di qualità), una insana passione per quel garage punk danzereccio e sbarazzino di scuola GSL dei tempi che furono..il tutto senza pretese pseudo intellettualoidi finto Beat Happening o le pallose ridondanze nowave(ma de che?) di gruppi a loro assimilabili e di cui taccio il nome perchè questo mese sono magnanimo. E se Moz giustamente ascoltando le amavo o i Dada Swing ha perso la fiducia nella womanhood questi pretty boys coi loro quindici minuti di musica fanno buche e mi ridanno fiducia nella brotherhood: se gli Youth of Today avessero ammesso la loro palese omosessualità oggi suonerebbero così. Li vedrei bene su una etichetta yankee minore ma cool, tipo la Retard Disco( www.retardisco.com ) bene, bravi. (7+)." [Rumore]

"...Un fiotto d'elettronica e drum machine fa da introduzione ad un disco che suona come se El Guapo e Trans Am si fossero fusi in doppio terzetto (Nothing), accarezza il pop in When Stars, fa mirabolanti evoluzioni imitando gli Oneida di "Each One Teach One" (Mystic River), sprofonda nel buio del basso distorto di Right-Wing, in stile post-punk inglese primi anni ottanta. Le parti vocali sono curate e mai banali, sostenute da liriche poco convenzionali (Antonio Fazio's Last Prayer but One) e si bilanciano perfettamente con parti strumentali che trasmettono un'idea di grande compattezza (Mouseman). […] Ottimo lavoro di produzione e mixaggio del "mago" Fabio Magistrali." (BlowUp)

"Da sempre più tempo sono oramai convinto che la qualità in Italia di un certo genere musicale sia superiore ad altre scene europee. Parlo di quel misto di stoner/garage/fuzz che da un po' di anni ci sta regalando tantissimi gruppi davvero impressionanti: Ojm, Smalll Jackets, Torquemada, Grand Sound Heroes, Alix, Midryasi, Kill The Easter Rabbit e sopratutto gli El-Thule. La band bergamasca giunge all'importantissimo secondo album dopo che con il debut di 3 anni fa, "No Guts, No Glory", erano riusciti a suonare nei festival di mezza Europa facendo da spalla a band come Orange Goblin, Witchcraft e On Trial. […] Questo è un disco di importanza capitale per il genere. Sessanta minuti difficili da dimenticare." (Nerds Attack)

"Li avevamo lasciati nel 2005 col bellissimo “Occhi chiusi”, uno dei tanti album che avrebbe meritato ben più riscontri anche rimanendo nella cerchia asfittica dell’uditorio indie italiano. Erano in cinque, c’era il violino di Cecilia Seminara, incidevano per la concittadina Green Fog mentre ora “Spigoli”, il terzo album in studio per i genovesi En Roco che uscirà il 16 marzo, torna a manifestarsi sotto le spoglie di Fosbury Records, vale a dire un ritorno a casa in tempo di grandi modifiche nel suono del gruppo. Era pop riflessivo, non ortodosso, dimentico talvolta di alcune certezze di base ma altrettanto attraente, effetto tipico di una neoscuola italiana all’intimismo intelligente che li accomuna a Perturbazione e Numero6, impeccabile nel lessico e dicotomico nel suono, ora arieggiato ora ombroso. “Spigoli” invece parla il linguaggio delle chitarre elettriche, angolare com’è, aumentando la difficoltà della proposta e giocando d’azzardo sul tavolo del cambiamento: non si può dire gli sia andata sempre bene, a livello di risultati. Ma forse il dubbio era coltivato dall’indole della band, obbligando all’introiezione quale seguito di un ascolto prolungato: un obiettivo impostosi a scapito dell’abbandono del peculiare artigianato pop, un mestiere nel quale il gruppo ligure aveva (ha?) ben pochi rivali nel Paese. “Il processo creativo ha subito qualche modifica rispetto al passato. L’embrione-canzone scaturito dalle mani di uno si è legato attraverso il lavoro comune agli stimoli di tutti i componenti, prendendo la forza di ciascuno”, racconta di un lavoro sofferto." [Italian Embassy]

"Un Dvd curato da Antonio Rovaldi e musicato dai Came. Un racconto ispirato alle fascinazioni romantiche dell'amore, paesaggi urbani che si riallacciano a stati d'animo, finestre e porte chiuse, camminate sotto il sole che supera le barriere dei palazzi e si mangia la strada. E – soprattutto - un disco, realizzato con l'aiuto fondamentale di due etichette indie importanti come Black Candy e I Dischi De L'amico Immaginario, che non saranno SxE ma forse non è più il tempo di chiudersi in cameretta. Registrato in maniera assolutamente egregia, con contrappunti chitarristici esaltanti e una cura delle dinamiche clamorosa." (Rockit)

"Sin dalla definizione della propria musica i Flap sembrano voler prendere le distanze dal mondo post-rock (qualsiasi cosa esso sia), definendola semplicemente come 'indie-rock strumentale'. In effetti, gli undici pezzi che si districano fra Mogwai e (soprattutto) Slint - forse per non essere troppo assimilabili a soluzioni tipiche del fenomeno non citato, quali i 'crescendo', un certo tipo di arrangiamenti, deflagrazioni, dilatazione nelle code e quant'altro - prendono con decisione sentieri per certi versi opposti. La cosa, se stupisce e affascina ai primi pezzi, perde tuttavia mordente con lo scorrere delle tracce, e all'ennesimo brano che finisce 'senza finire', ad un alternarsi selvaggio dei vari registri nella stessa traccia, al fin troppo ricercato effetto spiazzante, la soglia di saturazione viene raggiunta in agilità. Sia chiaro, non siamo di fronte ad un brutto disco: alcune idee melodiche sono più che valide ed in media i pezzi si muovono dall'interessante al bello; tuttavia, se i Flap avessero meno paura di essere etichettati in un determinato genere senza cercare di essere diversi a tutti i costi, avremmo potuto essere davanti ad un bel disco. Mica a caso i pezzi migliori sono sembrati quelli che seguono un percorso coerente dall'inizio alla fine, senza strafare." [Rockit]

"Rimescolare il calderone del post rock, riassaporarne i sapori di una volta e dosarne gli ingredienti con gusto. Ecco cosa fanno i Flap, al loro secondo lavoro, stavolta per la neonata In The Bottle Records (di cui peraltro sono i titolari). La band piace perché ha dalla sua dei riff post rock incalzanti ("Igor"), delle melodie che riscrivono con pochi mezzi il concetto di malinconia in musica ("'700"), e soprattutto una magnifica vena strumentale che è in grado di contaminare la nebbia di Glasgow con i riverberi del mediterraneo ("///0\"). Qua e là spuntano pure Marcella Ricciardi e Paolo Iocca dei Franklin Delano che inseriscono le loro trame country in un contesto dai contorni meno ruspanti e più sognanti di quelli cui eravamo abituati a sentire dalla band di "Come Home". "A Poor Story" pare insomma un piccolo miracolo. Una mutazione generica del post rock – ancora quella dannata parola – che tutti danno sempre per spacciato ma che, intanto, quando meno te l'aspetti è in grado di sferrare un colpo assassino alle emozioni – e alle coronarie – di chi ascolta. E sono ancora brividi. Chi l'avrebbe mai detto." [Rockit]

"[...] venature e/o aperture che rimandano a certe trame “matematiche” col profumo di Chicago. Poco più di mezz’ora di slancio emotivo. Mai prolisso. Mai banale. Mai stancante. Mezz’ora tempo perfetto. Per immergersi, muoversi, perdersi, riaversi. Maiuscoli." [Nerds Attack]

"Cosa volete che vi dica? La storia sarà la storia, e Kina ne fa parte a piene mani; ma la classe è classe! E i Frontiera ne hanno come ne avevano i predecessori…" (HateTV)

Secondo capitolo, ad un anno e mezzo dall’esordio per la Fuzz Orchestra, che fa un grande salto di qualità rispetto al già validissimo primo lavoro. Il sound si è fatto più saturo, ma anche più variegato. ‘Comunicato n° 2’ è, infatti, infarcito da diversi generi. Il trio parte con il techno-punk, che si evolve in noise-jazz-core, de Il terrorista, fino all’intrigante ed affascinante grunge-stoner serrato che si miscela con il free jazz di Marmo rosso sangue, passando per il doom non metal-free di Luglio 01 e i riferimenti al prog italiano dei ‘70, ovviamente rigorosamente fuzzato dell’unico brano cantato Volo fuzz n°1. Come per il lavoro d’esordio, anche in questo ‘Comunicato n°2’ non mancano le citazioni di politici della prima repubblica e cinematografiche, tra queste ultime la più intrigante è stata inserita in Hanno cambiato faccia , dove c’è un pertinentissimo legame con il dramma politico e sociale che stiamo vivendo, quando uno dei personaggi dice “Avete cambiato faccia, ma continuate a succhiare il sangue alla gente”. Non c’è altro da aggiungere. (Kathodik)

"Se mai vi chiedessero quale sia la cosa migliore accaduta in italia nel 2004 insieme a With Love e Altro la risposta è senza ombra di dubbio G.I. Joe, duo basso-batteria twenty-something stile the o.c. di stanza a treviso dal tiro esplosivo segnalatosi con un piccolo ma sbalorditivo documento noise-punk-funk matematico. […] Clito's angels si muove in territori spigolosi riconducibili tanto al noise quanto alla new wave in cui sapienti e intricati fraseggi basso-batteria combinano botta e risposta abrasivi, cambi di tempo a non finire e bordate dance-punk dall'impatto micidiale. […] spaccano i culi! (che è brutto da leggere, ma bello da dire)." (Movimenta)

"Un demo cd, un album completo e ora un ritorno che non solo conferma le magnifiche, terremotanti premesse degli esordi, ma che mostra come la scrittura dei nostrani Gerda si sia affinata, raggiungendo un picco di lucida ferocia invidiabile. Qualcuno lo può chiamare post rock imbastardito, qualcuno post hardcore strettamente imparentato con il grind più intransigente, quello che realmente conta è che siamo di fronte ad una punta di diamante dell’Italia musicalmente violenta e intelligente..." (Ultrasonica)

"Come dei Death of Anna Karina meno strillati e più scarni, complice la formazione a trio, i lombardi Go Down Moses esordiscono con un album pienamente convincente di post-hardcore schizofrenico, sfaccettato, graffiante. Affrontato con intenzione new-wave e capace di rivelare, insieme ad una materia prima di riff chitarristici squillanti e ritmi potenti e sincopati, soluzioni melodiche molto sentite, ballate ipnotiche e malate che prendono quota ed esplodono , esperimenti elettronici, bordate ripetitive alla Oneida, break quasi ballabili. Tutto supportato da testi superiori alla media, e promettente belle cose future." (Rumore)

"ccodìo!! ..il debutto degli Inferno è una sconvolgente esperienza musicale tra sperimentazione, violenza e sconfinata ilarità! ..già il moniker del gruppo non poteva non appartenere a dei terribili geniacci (cazzo! nessuno mai aveva usato 'sto nome!?).. bhè, gli Inferno, tanto per cominciare non sono un gruppo Black Metal.. la loro musica non ha nulla a che fare con lo zolfo, le fiamme e mostruosi demoni e a quanto pare il loro legame con il mondo dei cartoni animati è davvero notevole!!! Nel foglietto che accompagna il cd vi è scritto For fans of: The Locust, Dillinger Escape Plan, Fantomas ..bhè, 3 band che come minimo comune denominatore hanno la pazzia compositiva, cosa che hanno anche i romani Inferno, ma sicuramente sono molto più vicini ai Locust come personalità…" (Stillborn)

“Elettrico artigianato proteso nel dispensare musica discordante, avvolgente ed emotiva.” (BlowUp)
“Nervi a fior di pelle e emozioni da stanzetta urlate al mondo.” (Rockit)
“Ascoltiamo a ripetizione piccole e amare meraviglie come Iihty e By-End, provando ad immaginare una decina di brani di simile livello raccolti in un unico disco.“ (Rumore)

"A quanto pare Ancona e la sua provincia sta diventando uno dei centri più promettenti dell’indie italiano. Ovviamente per indie intendo non certo musica suonata da cravattine rosse ma da sporchi e allucinatissimi personaggi come quelli che formano i Jesus Franco & The Drogas. Membri di due dei miei gruppi tricolori preferiti: Lush Rimbaud e Butcher Mind Collapse (già incensati su queste pagine). A loro si uniscono altri malvagi musicisti autoctoni provenienti da Guinea Pig e Ego per dar vita a JF&TD. Il risultato? Beh se avete presente il valore delle band appena citate vi renderete presto conto che è un disco valvolare e volgarissimo che dovete subito far vostro. Vi troverete inoltre in mezzo a titoli come ‘Nazi Surfer Must Die’, ‘Zombie Polka’, ‘Bagarella Colt’, che la dicono lunga anche sullo spirito gogliardico di questi pazzi. Un marasma sonoro galleggiante tra putrido blues, garage pesante, acidume, noise e rockabilly. Pazzi come i NoMeansNo, nonsense come i Primus, lerci come i primi Helmet." (Nerds attack)

Tracklist: 1. One less blues - 2. If you can hold your breath - 3. Number six - 4. The roots and the ruins - 5. In hundreds - 6. There are ghosts - 7. The same stars - 8. The angels just have to show

“C'è una parola che mi sfugge. Come si scrive nonsense in italiano. Definitivi.” (LiveRock)
“Una lettura diversificata dello screaming (post)hardcore in salsa italiana, andando oltre lo schema quiet/loud. Quello che impressiona dei bolognesi tuttavia sarà la sprigionante potenza del loro impianto sonoro, tanto feroce e nervoso quanto di nettezza chirurgica.” (BlowUp)

"Per questo disco abbiamo dato tutto, tutto noi stessi. Cinque amici che cercano di parlare con altri amici, che cercano di creare quel varco indispensabile per non morire. Un approdo per noi, un mezzo di salvezza, un’arma. Non è semplice musica, non lo è mai stata. Sono parole, parole che vogliono comunicare e non essere cancellate. Ci siamo noi tutti qui." (dal librettone del cd)

"Le Mange-Tout sono due graziose signorine, chitarre alla mano e gonnellino colorato in bella vista. A guardare le immagini promozionali che si trovano in giro sembrano appena uscite dall'album delle foto del Giorno Perfetto: un pic-nic sul prato, la copertina a quadrettoni rossa, i cuscini, i sorrisi, le caramelle e tutto il resto. Se ancora non l'avete capito, è l'ora del thé con Mister Who, e siamo tutti invitati. Germana e Nathalie allora, con un piede in Italia e uno in Francia, preparano le cose per benino: stendono sull'erba con una noncuranza tutta femminile cinque tracce che tintinnano con la delicatezza di tazzine di porcellana e cucchiaini sporchi di zucchero. Tutto merito dell'ukulele e delle chitarre pizzicate, della fisarmonica con le trombette, delle tastierine casio e del glockenspiel, puntellati assieme come a ricamare il perimetro di un quadretto di costume. In pratica: bedroompop all'ennesima potenza ed entusiasmo low-fi nelle vene, folk trasparente e voci intrecciate che riportano improvvisamente alla memoria il twee vecchio stile delle Would-be-goods, solo più pacato e gentile. E così accade di ritrovarsi tra le dita questa manciata di canzoni che parlano di famiglie di pesciolini viola e del pupazzetto di cartone Mister Who, con due ragazze che canticchiano spensierate "dry your clothes in the microwave", e rischiare comunque di credergli. Ma dopotutto le novità in casa MyHoney sono sempre da prendere con un sorriso tranquillo sulla bocca, ché non c'è mai pericolo di rimanerne delusi." [Rockit]

"Jesi. Tre ragazzi. Debutto discografico. Registrazione di Giulio Favero. Un marchio. Una griffe ormai riconoscibile. Violenza sonora. Distorsione. Cantato abrasivo. Feroce. Vandalismo musicale rigettato contro un muro. 'Juice Of Bimbo' è un'altra corsa sfrenata sulla strada che ha già portato ad eccellere da queste parti Putiferio e Butcher Mind Collapse. Chitarre che stridono ('Magnete' è un pezzo bastardo di noise'n'roll lascivo), batteria lanciata a duemila chilometri orari ed un basso killer duro come l'incudine di un fabbro ferraio. Otto proiettili di fusione "core". Non sono ammessi prigionieri. La guerrà è guerra. E i Lleroy sono pronti alle armi." (Nerds Attack)

"Dopo quasi tre anni da “On The Back Of Each Day”, i Morose di La Spezia pervengono, con “La vedova d’un uomo vivo”, a due novità non indifferenti. La prima - quasi un paradosso - è che la line-up, nell’intorno di tempo che intercorre tra un disco e l’altro, non è mutata: il cuore della band si è confermato come il trio composto di Davide Landini (il cantautore del caso, oltre a voce e chitarra classica), Valerio Sartori (chitarra elettrica e polistrumentista) e Pier Grigio Storti (piano e polistrumentista). La seconda novità sta nei testi, per la prima volta dai tempi degli esordi cantati interamente italiano e non più in inglese. Invece, la sostanza musicale non è per niente mutata, quasi fossero zombie di Black Heart Procession, Calexico e del Nick Cave delle “Murder Ballads”. Anzi, l’umore è più plumbeo che mai; come per il predecessore, anche la “Vedova” prevede canzoni mortifere pervase da una desolazione quasi imbarazzante, tra cui il salmo da chiesa di “Ancora una parola”, “Lungo la strada”, e “Un uomo perduto”. Ciò che cambia impercettibilmente, anche all’interno di uno stesso brano, sono le orchestrazioni, ora prossime al farfuglio disgiunto (la stessa “Lungo la strada”, ma soprattutto “Elena dalle candide braccia”, “Intorno a una donna dai molti mariti”, “Il campo ha occhi, la foresta orecchi”), al bisbiglio luminescente cullato da collage e drone eleganti (“Tu m’hai detto”), o al saggio folk (“Jacques”): tutte dissertazioni supportate dalle interminabili litanie Drake-iane delle chitarre, talmente apatiche da sconfinare nell’inerzia sonora assoluta. E’ già quasi un piccolo classico del rock italico sepolcrale. Scritto da Landini, il meticoloso assemblato (registrato al Muzak Studio a cura di Enrico Savoldi) stavolta nel titolo cita nientemeno che Strindberg. Visionario, ampio, calmo; effetti speciali lenti ma pregnanti. Le comparsate (Marco Monica degli In My Room, le lecture erudite e diafane di Joan Loizeau di Yeepee, l’ugola e la fisarmonica di Jenny Jo Oakley di Empty Vessel Music) conquistano il cuore ben oltre la nostalgia, tanto da far sperare in un ripescaggio degli oscuri gruppi di provenienza." [OndaRock]

"Inizia con un intreccio di arpeggi chitarristici che si compenetrano fino all'interpolazione. Termina con un carillon e una sensazione di calma e fragilità disarmante. In mezzo, in cinque tracce mai singolarmente inferiori ai sette minuti, esplosioni e implosioni ora acustiche, ora distorte trascinano l'umore come l'amo infilzato nel labbro di un pesce di dimensioni considerevoli, su e giù dal pelo dell'acqua a ogni strattone, il continuo rituale del dare e togliere lenza all'animale. “All The Different Deaths... And Rebirths” dei Nicker Hill Orchestra è un disco post-rock inteso nella sostanza attuale del termine, ovvero Mogwai-Tortoise-Explosions In The Sky, ma che sovente infrange i limiti del genere grazie all'esperienza di chi ha fatto gavetta in piccoli locali del Nord-Est, centri sociali dispersi nella provincia, circoli ARCI dalla metratura irrisoria e privi di palcoscenico. Si arriva quasi a sovvertire le regole del sistema nella quarta traccia, “Shit You!”, che parte deflagrando distorta per poi acquietarsi verso il quinto minuto, e dove una voce cantilenante si tramuta nel quinto strumento dell'orchestra (l'unica altra voce è nella seconda traccia, e produce più o meno lo stesso effetto). Sale la voglia di provare i Nicker Hill Orchestra dal vivo. Farsi catturare all'amo dalle prime note e lottare a ogni strattone, esplosione o implosione, dondolando le testa insieme alle loro con gli occhi rigorosamente serrati, nel continuo rituale post-rock del dare e togliere lenza all'ascoltatore." [Il Mucchio]

"Il secondo disco degli oginoknaus da senigallia (an), incuriosisce già dai credits. licenziato dalla elevator records, "nuclearcunt" è prodotto nientemeno che da rob ellis (già al lavoro, tra gli altri, con pj harvey, placebo e marlene kuntz), registrato e mixato da david lenci e masterizzato a boston da bob weston (bassista degli shellac e produttore di polvo e june of 44). il prodotto finale mantiene fede alle aspettative, il disco suona benissimo e molti brani sono immediati. c'è meno dark rispetto all'omonimo esordio di qualche anno fa (su dischi vacation house), nel nuovo album si sviluppano armonie più vicine agli interpol, meno cupe, ma dalla ritmica new wave, senza disdegnare sonorità care a slint e pixies. c'è la wave, ma anche il post punk e il kraut rock, con strutture semplici e fruibili e brani che, di conseguenza, risultano diretti e senza troppi fronzoli. le atmosfere ipnotiche e i riff ossessivi, conquistano da subito e crescono ascolto dopo ascolto con tracce quali "city waves", "breakdance", "rainbow drive" (alla interpol), "tasting fun" e l'oscura conclusione con "hand man", forse la composizione migliore del lotto. il trio sceglie buone soluzioni sonore e confeziona un bel prodotto, forse più adatto per il mercato estero, che non cerca di stupire, semmai affascinare mostrando la buona personalità degli oginoknaus." (Sonicbands)

"...Da un lato acuisce le asperità emo già presenti nel precedente ep "Glad, Out Of That". Dall'altro scala di marcia e preferisce lavorare di spazzola e arpeggi piuttosto che di muscoli e riff rocciosi. In più, una serie di ospiti di livello, tra cui Jonathan Clancy dei Settlefish, ormai una specie di prezzemolo dell'indie rock italiano, che presta la sua ottima ugola per "Sparrows On A Wrong Way". L'album alla lunga è ben fatto, con alcuni punti pregevoli (la coralità rock di "Colors" e l'assalto ritmico di "O-Ren Ishii")…" (Rockit)

"Altro pezzo della tornata di uscite nuove della Shove con il botto, giusto per farmi ancora rodere il fegato di non averli visti e a quanto dice il buon Bisa (aka Larva) dal vivo fanno la loro porca figura. Non mi risulta molto difficile crederlo visto che questa raccolta di inediti e non, corredata di DVD, fotografa un gruppo con un tiro invidiabile. Qualcuno un bel po' di anni fa l'avrebbe inserito sotto "ultracore" o "power violence" o Dio solo sa come, ad ogni modo quel limbo dove fluttuavano Charles Bronson, End Of The Line, Manumission, Locust (anche se a loro veniva fin da subito affibbiato il termine grind) e compagnia bella, l'unica sostanziale differenza sta che il suono è più che mai moderno e che gruppi come loro o gli Orchid hanno testi e qualche barlume di melodia (l'Orchid di commiato anche più di qualche barlume) che fanno la differenza. I Phoenix Bodies a quanto pare sono piuttosto quotati e non mi stupisce visto che vanno giù che è un piacere, riff matematici eseguiti in modo meccanico che si interpongono a folate sparate a chiodo dove Chaos Is Me più che il titolo di un disco diventa un "modus essendi". Ci sono delle stranezze qua e là che fanno venire in mente la Vermiform e tutto il suo circo di mostri a partire dagli Universal Order of Armageddon (grandiosi), in pratica il gruppo dell'Indiana va a trecento km orari ma lo fa in modo "dissonante". Per caso vuol dire che il metallaro che è dentro di voi è fuori target? Ma no, tranquilli: antiruggine sulla cintura borchiata della vostra sorellina emula della Lavigne e via verso i primi anni delle superiori ("te gusteria eehh?... vecio!?"), comunque citano fra le influenze anche i Forcefedglass (ci militava qualche membro dei Converge) e quindi a metallume superfast si sta bene. Di questa accozzaglia di riff e canzoni al massacro fanno anche parte una serie di live e di demo che lasciano ben pochi dubbi sul fatto che i Phoenix Bodies fossero già degli animali anche ai loro albori. Riguardo al DVD, non preoccupatevi, nulla di artistico o con pretese del genere, infatti si compone di due live (il primo dei quali splendido) e di un'intervista al gruppo, ora il primo dei due live è il classico concerto americano assiepato di gente che salta e casca addosso al gruppo mentre il cantante ed il batterista, nudi, dimostrano che se a Woodstock la gente si rotolava supinamente nel fango ci sarà anche stata una ragione. L'intervista ai Phoenix Bodies invece regala un gruppo di dementi che continua a dire cazzate a ripetizione mentre uno di loro, non pago del livello trash del dialogo, facendo finta di nulla si tira fuori il "piparuolo" dalla patta dei pantaloni. Grandi...anzi, con le parole del vecchio Sam McPheeters "En garde... cocksucker!"." [Sodapop]

"Spaccare i culi. Giustamente celebrati come una delle migliori live band oggi in circolazione, i Redworms’ Farm arrivano alla seconda prova discografica e fanno definitivamente centro. Se l’esordio, pur apprezzabile, non manifestava concretamente tutto l’impatto riscontrabile durante i concerti, con Amazing! i vermi riescono nell’intento. Senza dubbi o domande…" (Kronic.it)

"È pazzesco notare come basti aggiungere una linea di voce e una struttura “a canzone” (strofa-ritornello e tutto il resto) per rendere un brano potenzialmente post-rock in una canzone shoegaze. Questa non vuole essere una critica, anzi. In una scena indipendente che ha ormai scopiazzato lo scopiazzabile, l’ennesimo disco puramente post-rock sarebbe stato nulla più dell’ennesimo lavoro di cui non sai che fartene. Insomma: basta post-rock! Ecco perché i Replace The Battery costruiscono canzoni che, nonostante paghino un’influenza fin troppo palese verso certi gruppi degli anni 90, riescono ad affascinare e piacere senza troppe remore e buonismi di sorta. Questo loro esordio omonimo di quattro canzoni si apre con “Run”, melodia soffusa, chitarre shoegaze ed atmosfera dream-pop tra Cocteau Twins e Slowdive. “Your Tears” è invece più elettrica e satura, avvicinandosi a certe dilatazioni psichedeliche care agli oxfordiani Ride mentre “Glass”, l’unico pezzo puramente strumentale, ricorda il background della band caro a gruppi come Mogwai ed Explosions In The Sky. Non male per essere un pezzo post-rock già sentito milioni di volte, però. Chiusura dedicata a “Black Rain”, unica composizione vagamente pop per durata – 3.52 contro i 6 minuti di media degli altri episodi – che per struttura, che ricorda gli ultimi Giardini di Mirò ed è semplicemente una canzone pop dilatata molto molto avvincente e, sì, bella. Degna chiusura di un esordio da scoprire. Trovassero la loro personalità nelle pieghe di questo sound, potrebbero essere una nuova punta di diamante." [Il Mucchio]

"Rice on the record is the evolution and development of Paolo Bollero solo project (ashtray) with Germana Bargoni(ex Cary Quant). The first songs as ashtray were recorded in 1992 and are colleceted in 3 K7. In 2005 ashtray open the concert of Chris leo Of Van Pelt in Genoa In 2007 As rice on the record played like opning act of Nick Castro & the Young Elders at Lsoa Buridda. During the the summer of 2007 recorded the Ep "In a slow silent walk" with the precoius help of Matteo Casari (keyboards, guitars,arrangements) and Martino Sciarolli (drums,percussion) of Blown Paper Bags. The 8 tracks ep is produced by Casari for his Label marsiglia record. In january 2008 Francesco Becchi (keyboards,samples,vocals, guitars) take the place of Germana Involved in mange tout Duo, and give an important contribution to the sound of the group. In april 2008 Furio Guidetti (electric gtr, vocals,keys,percussion) joined the group adding a new wave mood to the sound and debut liva at International poetry festival of Genoa in june 2008. Rice on the record is on the air in summer 2008 in the 24 h live project "4h streaming from Lab Buridda and Disorder Drama and in november away for a while is included in the blow up magazine podcast n 15 Moglie e buoi with other italian indie groups. Mike watt choose fake smile (rocktone rebel cover) for his radio program "the watt from pedro"of 23/11/08. In jan 2009 Mike Watt plays bass lines and solos on Fake smile that will be included in the split project with Rocktone Rebel and Event of Fire (rmeix) will be included in the third volume of Zenatron (a collection of elecronic genose groups)." [Myspace]

"Post rock all’italiana? Non proprio. Rock strumentale melanconico, colonna sonora per film mai girati piuttosto. Circolarità di fondo ma mai algida, non math rock ma post dell’anima, forse. Questo e molto altro è il secondo disco dei Ronin, Lemming, titoli (quasi sempre) italiani ma animo cosmopolita, passo strascicato ma mai narcotico, spirito melodrammatico ma non lamentoso. L’iniziale I Pescatori Non Sono Tornati è una dichiarazione d’intenti, un antipasto eloquente, anche se non esaustivo, di ciò che ci attende nel disco: a metà strada tra la sabbia del deserto del Messico dei Calexico, le terse atmosfere Morriconiane e le acque scure e immobili dei Dirty Three. Sono i tre nomi che più spesso si affacceranno alla mente durante l’ascolto del disco, seppur riletti attraverso una sensibilità tutta italiana per melodie stracciacuori. Nel senso migliore del termine. Consumato l’atto dello scongelamento, il gruppo comincia a mescolare le carte in tavola, concedendosi alla calda bossa meticcia de La Banda, passando per le oscure stanze disadorne di Mantra Infernale, e affidandosi poi nella ballata Il Galeone all’incerto italiano di Amy Denio per uno dei due soli pezzi cantati del disco. Con Portland si ritorna a parlare l’idioma musicale mariachi, in odor di Messico e di Calexico, con You Need It, Then It Comes si vola al picco emozionale del disco: un testo surreale, (scritto da due Cerberus Shoal) giunge di tanto in tanto ad increspare un mantra minimale e commovente, rilettura col cuore in frantumi degli Slint più eterei. A stemperare la gravità degli animi giunge poi il world beat virato exotica de l’Etiope, spezie africane in un disco pieno di colori e suggestioni. Chiudono l’intenso post rock di Mar Morto e la depressa titletrack, congedo struggente per un disco illuminato da un animo umbratile e fosco, ennesima prova di vitalità per una non scena, quella italiana, che non sta smettendo di stupirci, disco su disco." (Aurelio Gravina @ Storiadellamusica.it)

"...sembra sempre un po' di vedere la prima PJ Harvey che fa a cazzotti con John Spencer, Boss Hog più cacirri ingaggiati in un corpo a corpo con Delta 72 e con l'ubriacatura del sacro corpo del rockarolla. Nonostante sia ancora più esploso ed in saturazione di prima, tutto il disco è molto più fruibile e le canzoni sono parecchio orecchiabili, tanto che se fossimo in un altro paese, i nostri avrebbero di che giocarsi sul mercato…" (Sodapop)

"I Sedia di questo secondo album sono completamente adrenalitici [e, faccio cabaret] seduti non ci stanno proprio, tanti sono i disordini matematici sull'epilettico lo schizoide, oltre la pura frenesia da scazzottate post-rock. […] C'è poco di cui rilassarsi con la continua tachicardia della batteria che perde beat unicamente per qualche minuto sulla seconda parte di Das Kabinet des Doktor Magistalisss (bella dedica all'oramai onnipresente Fabio Magistrali), per poi far gridare al miracolo ormonale su Foret de Mimoses, insieme a chitarre e basso. Insomma, gli manca solo la parola (per ora non vanno oltre un urlo e un ululato sull'incipit della prima traccia), quindi il miracolo verrebbe ufficializzato dalla chiesa indie." (Komakino)

"Le Signorine Taytituc descrivono la loro musica come "samba energetica" e citano tra le loro influenze i Descendents. Sono un trio di ragazze in sottoveste che sembra intenzionato a resuscitare i Ramones a colpi di tre accordi e botte secche sui tamburi. Il tutto, ovviamente, alla maggiore velocità possibile. Ognuna ci mette la voce, e giocano anche bene a ripartirsi i ruoli sulla scena. Alla batteria c'è Erica A-Go-Go, la ballerina dei Tunas. Storie di boyfriend ed estati, quel che posso capire delle canzoni, dato il fragore con cui ce le sbattono addosso. Sorpresa finale, una cover di 'Mongoloid' suonata come se le All Girl Summer Fun Band si vestissero di pelle nera e maneggiassero fruste." (Polaroid - un blog alla radio)

"Four intense songs from the Italian band Silbato on here and they are the best Silbato songs/recordings I've heard so far. This band plays a very intense and energetic form of hardcore, a bit akin to the old With Love or the old Jr. Ewing if I have to compare them. At times straight forward, fast rocking out in what is almost screamo. […] The other band on this split is Cease Upon the Capitol, whom I recentely saw play two shows in Germany. […] Musically the band is nothing new under the sun, but delivers a really good brand of screamo. A bit like One Eyed God Prophecy with more clean, little riffs in there for good measure. Very cool stuff." (Mashnote)

"… I SingleSignOn dimostrano di possedere la stoffa pregiata dei veterani e la classe dei grandi interpreti. Le loro sono canzoni malinconiche e lunari, baciate da melodie tanto essenziali quanto irresistibili, ove la voce in falsetto di Pierpaolo Bottino dona un valore aggiunto alle chitarre di Giorgio Pilon e ai minimali accenti di synth di Fausto Bossola. Gli interventi vocali di Francesca Trinca (responsabile anche delle lyrics) sono poi qualcosa di assolutamente delizioso, che impreziosiscono un sound di natura minimale..." (Rockerilla)

"… La band bolognese cerca di mantenere più che può quell'etica spartana originaria e quelle rabbia esistenziale che si traducono nella ruvidezza e lividezza di ficcanti driving lines, di un basso marcato, di distorsioni e vocals che sanno mordere alle caviglie. Volendo dare una forchetta di ipotesi potremmo sbilanciarci dagli Indigesti ai Kina fino ad una fetta del catalogo Dischord appena pre-Fugazi. Non tutto l'album è al livello necessario per riportare urgentemente in prima pagina tale tipo di sonorità ma alcune canzoni sono micidiali e vale la pena di farsele proprie..." (Blowup)

"Da una parte i toni confidenziali dei Karate e dall'altra il chitarrismo post-rock di louisvilliana memoria: lungo questa retta neanche troppo remota si dipana un percorso fatto di suggestioni e storie personali, dove i passaggi strumentali riescono a raccontare tanto quanto le parole, se non di più. E' uno stile, quello adottato dal gruppo emiliano, che molto ha già dato all'economia generale dell'indie rock ma che ancora ha la capacità di trasmetter qualcosa, basta saper toccare i tasti giusti. Come quegli accordi di Fellow Soldiers, per esempio, che ritormano a battere dove si erano fermati i ricordi più sinceri dell'emo." (Blowup)

"…i Tiogs lasciano a casa il vecchio abito griffato Karate in favore di un vestito meno gessato dalle righe della malinconia e più adatto ad un raduno di nostalgici di certo (Illi)noise rock della scorsa decade. Spazio quindi tanto agli arpeggi nervosi in stile Three Second Kiss di "Approach/ Arrival" quanto alle geometrie ritmiche in 5/4 di "Maths Rule The Squadrons", queste ultime arricchite dagli splendidi fraseggi del trombone di Carlo Alberto Grandi. E se con "A Sort Of Withdrawal" si ritorna – con tanto di pelle d'oca – alle delicate armonie del passato, è con "Hi-fi Burnout" che i Tiogs imprimono il marchio della loro nuova identità, in bilico tra dissonanza (intesa come rifiuto della banalità) e post rock (inteso come emotività da abbracciare con slancio e passione). […] Fate fiduciosi un passo in avanti, verso un cd che merita qualcosa di più delle solite considerazioni di circostanza. Che merita orecchie attente e cuori aperti. Che merita di essere ascoltato. Semplicemente." (Rockit)

"I TIOGS sono uno dei segreti meglio custoditi della scena indipendente italiana, nonostante l'enorme numero di concerti in giro per l'Italia e l'Europa. Un fatto che, a pensarci bene, è uno scandalo vergognoso. Che speriamo venga cancellato con questo nuovo "We Built Today". E diciamolo subito, allora. I Tiogs hanno inciso il loro capolavoro. "We Built Today" è un album sorprendente. Per la qualità di scrittura. Per l'abilità di rileggere il passato con la spensieratezza di chi non ha nulla da dimostrare, se non di saper produrre grandi canzoni rock. Per la capacità di sdoganare la dissonanza senza perdere d'occhio l'accessibilità. Noise per le masse, dunque. Senza che questo suoni come una bestemmia." (Rockit)

"...in questi nove brani strapazzano i Mogwai e li costringono a fare pop rock, pur con tutte le deviazioni/dissonanze/improvvisazioni del caso. Senza scordare gli sghembi arrangiamenti di alcuni pezzi, che si accartocciano in rumorismi free-jazz sullo stile dei Tortoise dei bei tempi che furono…" (Rockit)

"Sarebbe semplice dire che i Uochi Toki c'è chi li ama o chi li odia ma sarebbe un po' una gran cazzata: si potrebbe dire lo stesso per Pasquale del Grande Fratello, i Sigue Sigue Sputnik e per Pacciani; quindi andiamo più a fondo, YO! Dopo due dischi e dopo averli visti live due volte penso che, come la tartufata, i Uochi Tochi forse perdano leggermente sulla lunga distanza ma che a pezzo singolo facciano la loro porca figura oltre ad avere alcune trovate indubbiamente geniali. Sapevate che uno di loro ha collaborato ad alcuni dei dischi più riusciti di Bugo? Diciamo che in questo disco un po' si sente ed aggiungiamo anche che i due vogheresi in quanto ad essere maranza su questa uscita non si sono negati nulla. Produzione ottima come sempre, più che hip-hop un flow monocorde e stile spoken word "in your face" (minchia ma quanto slang riesco a gestire) che forse è la cosa che lo lega di più al circuito della downtown americana invece che al circondario di Voghera…" (Andrea Ferraris su Sodapop)

"Sembrano quei matti legati con la camicia di forza che mollano capocciate sulle quattro pareti della stanza imbottita (ma non troppo) in cui sono stati rinchuisi, probabilmente all'Ospedale Maggiore di Lodi di cui cantano su questo Cd. Non sanno più a quale santo votarsi. " (BlowUp)

"...Gli sberleffi del circo X-Mary sono il corrispettivo sonoro di un tredicenne sveglio che tira petardi e pensa male delle compagne di scuola: che fossero mostruosamente eclettici si sapeva, dei concerti esplosivi a fianco dei Camillas ci è stato detto. Chissà cosa devono inventarsi di più per raggiungere una considerazione vicina ad essere definita “di massa”… sempre che l’attuale “massa” possa essere vista come un traguardo umanamente appetibile. (7)" (BlowUp)

Il tempo dei non ancora. Non è ancora autunno e non è più estate. Il tempo dei non ancora. Questo è il pensiero vibrante che attraversa tutto il Fumetto di Alessio Spataro e Floriana Grasso, il tempo dei non ancora, che stilla da ogni personaggio e farcisce gli animi. Il tempo dei non ancora, un pensiero, una frase, ma sottilmente molto, molto di più: una filosofia di vita, una dottrina garbata, frizzante, fresca, ironica, delicatamente cucita sul drammatico vivere quotidiano di esistenze e sentimenti che prelevati dal giornaliero, divengono grazie alla fantasia dei due giovani autori pezzi di vita speciali, particolari, storie uniche e irripetibili da tramandare ai posteri.

Un po' diario, un po' delirio. Nostalgico ed esilarante. Arriva “Inzirli”, l'ironica autobiografia del primo gruppo punk in friulano. Dal Csa di Udine a Berkeley. Sei anni “on the road” tra concerti riusciti e serate sfigate, autoproduzioni, amici sballati, sbattimenti e viaggi. Si tratta di un piccolo libro autoprodotto. L’autore è Max Mauro, trentacinque anni, giornalista. Per sei anni fu uno dei membri degli INZIRLI. INZIRLI, una storia per caso, è un libro fatto di ricordi e impressioni sedimentate per anni, resoconti di concerti più o meno sfigati, sbattimenti di ogni tipo, tutte le esperienze tipiche di chi ha o ha avuto un gruppo. È un libro che consigliamo a tutti quelli che hanno un gruppo, visto che certe cose non cambiano: anche nel 2050, ci saranno concerti impegnati e scalcagnati, l’attrezzatura assicurata dal service sarà solo la brutta copia di quella presente sul palco, e a metà concerto si romperà la pelle del rullante. È sempre stato così e così sarà sempre.

"Seguendo la logica DIY e dell'autoproduzione senza diritti di autore viene pubblicato questo libro di Manuela Puvia dal titolo "Consumate il futuro" sintesi di una tesi di laurea sull'opera letteraria di J.G. Ballard. Partendo da una efficace analisi critica dell'opera dello scrittore di fantascienza autore di opere quali "Crash" e "La mostra delle Atrocità" si giunge ad una analisi sociologica sui rapporti tra l' uomo e l' ambiente circostante, in particolare mettendo in rilievo gli effetti dello sviluppo tecnologico e la loro ricaduta sui corpi e sulle menti. Le tecnologie e il loro sviluppo accelerato negli ultimi anni vengono analizzate in una sintesi storica, da strumento necessario all' uomo nel suo progetto di disvelamento del naturale, nel loro passaggio a strumento sostitutivo della attività umana fino all' attuale configurazione di vero fine dell'attività umana. La conseguenza è una forma totalizzante e inedita del concetto di alienazione." (In Your Eyes)

Folletti, vecchine, parole, passeri, pioggia si incrociano e si scontrano in "Spazio libero con messaggio promozionale", il primo libro di Richard Angela: racconti surreali che portano il lettore in un mondo di sfrenata fantasia, dove tutto si svolge e si capovolge, senza un attimo di respiro, tra sogno e realtà. Angela è nato a Ivrea e vive e studia a Pobbia, in mezzo alla campagna, ma i suoi racconti sono, invece, molto popolati, pieni di vita e di vite, delle cose più disparate ma che l'autore riesce a far coabitare con abilità. Il tratto leggero, giocoso e ironico mostra, però, una trama attenta ai fatti della vita, ai rapporti interpersonali, spesso non facili, ai pregiudizi e ai preconcetti che popolano le nostre menti e dai quali è spesso difficile liberarsi, alle nevrosi che ci derivano dalle notizie sparate da giornali e televisioni. È facile trovare noi stessi, con le nostre paure e fobie, e le persone che conosciamo e che frequentiamo quotidianamente, i passeggeri dei mezzi pubblici sui quali viaggiamo, i luoghi e gli spazi spesso troppo stretti. L'amore per le parole e la capacità di giocarci, di creare frasi aperte alla libera interpretazione sono una piacevole dote dell'autore e la scrittura giovane, anche se per certi aspetti ancora acerba, è stata una piacevole scoperta.

Secondo disco per i tedeschi Angstzustand, che dopo un primo disco convincente uscito in germania per Bewildered Youth, pubblicano il seguito per Shove. Il disco mostra una crescita ulteriore del gruppo, che fonde certo hardcore di matrice tipicamente teutonica, metallone e crust, con parti più melodiche e crescendo trascinanti. Le voci, una più urlata e una più crust, "cantano" in tedesco, ma stavolta non mi ha dato il solito effetto estraniante (alla Rammstein per capirci...), qui l'intensità dei pezzi dei brani è tale che si viene trascinati in un mood cupo e disperato. Perfettamente bilanciati dal punto di vista strumentale, i quattro suonano sporchi e abrasivi, ma non c'è un suono di troppo né niente fuori posto: anche gli attacchi di doppia grancassa sono inseriti al posto giusto, evitando il rischio dell'effetto tamarro-metallaro. Unica pecca dell'artwork scuro e intrigante è il fatto che sia scritto solo in tedesco, e questo non aiuta un ignorante come me a capire i testi. Un disco potente, selvaggio, disperato... [Sodapop]

"Direttamente da Catania ecco i Big Shave con il loro carico di rabbia e violenza in un mix HC interessante, anche sotto il punto di vista della attitudine, infatti questo CD è in cooproduzione con diverse etichette della scena underground Punk/Hc che certamente molti di voi conoscono. Mi fa piacere ricevere di questo materiale da band del Sud che nonostante le mille difficolta' cercano a tutti i costi di trovare la via di fuga, musicalmente non hanno nulla da invidiare a band gia' conosciute, sono certo che se non fosse per quei 1200 km che li dividono da queste parti del nord, suonerebbero decisamente di piu' e ascoltando le 11 veloci tracce ci si rende conto di questa verita'…" (Punkadeka)

"...combo dedito ad un rock'n'roll in italiano capace di fondere intenzioni e atmosfere molto diverse. Un occhio è sicuramente puntato su quel nuovo filone di rock noiseggiante e sporco che Oltreoceano sta facendo la ricchezza di molti: abbondano dissonanze garage e noise e controtempi un po' straniti, quasi isterici, poggianti su suoni finto-antichi ben riprodotti. Ma contemporaneamente la lingua italiana con voce e linee amiche quasi dei CSI riporta su ben altri binari la proposta, svelando un'orientamento decisamente anti-fashion più che consapevole (supportato tra l'altro da testi intelligenti e non stucchevoli)…" (dedication.it)

"… C'è un piccolo caleidoscopio di suoni in questi venti minuti, a fuoco quanto basta da suscitare tanti entusiasmi quante inevitabili aspettative." (Disco Club)

"… una band profondamente maturata, che, in questo nuovo lavoro, dimostra inedite abilità nel mediare con gusto e passione la propria irruenza ritmica. Ne sono splendide testimonianze “Nostrils”, “Do you know (and so)?”, “Cntr”, “Use rearview mirrors” e “Dn”, canzoni in cui gli Imodium corroborano le proprie (note) radici grunge con digressioni rock, spunti melodici ed ingerenze punk, facendole germogliare in un sound variegato e personale. Il tutto per un’ora di musica intensa ed appassionata…" (Rockit)

"Elettronica povera assemblata con l'aiuto di un Gameboy e una voce che si colloca intenzionalmente un gradino al di là del comprensibile. Il fascino diy è innegabile così come l'ironia in gioco, la riuscita un po' meno. Come un Owen Ashworth in preda a dosi eccessive di stimolanti, RR è il più improbabile degli acts elettronici che mi siano capitati di recente, specie per la pervicacia con la quale la sua voce affatica l'orecchio. Però quando decide di fare sul serio e concedersi all'umana comprensione ("I'm Alone Again For The 99th Time") ne esce un pezzo commovente e denso, foriero di sviluppi che potrebbero anche avere un seguito…" (Indiepop.it)

"Fake Disaster mette in luce una realtà forte e che potrebbe essere gradita a molte persone anche e non solo in Italia." (SonicBands.it)

"...Bravi gli Spark, arrivano da Torino con un bel pugno nella palle. Hc alla vecchia maniera, nulla di nuovo sotto il sole. "Continuando a camminare" sembra uscita da un disco dei Negazione (non 100%). Non poteva mancare una cover di assoluto rispetto "Osservati dall' inganno" degli indigesti, bella bomba. In questo disco non troverete niente di nuovo, di arzigogolato, di ricercato. Troverete quanto e' difficile sopravvivvere in questa societa' di merda, in una citta' difficile come Torino. Urlato, suonato espresso. Emozioni. Se e' questo che state cercando allora acquistate questo cd da El paso distribuzioni o da loro stessi. Mi raccomando." (Inyoureyes)

":.. La band è in giro da diverso tempo e smazza come al solito assalti velocissimi come tradizione vuole, senza compromessi. Quattordici pezzi, poco più di venti minuti, in cui tutto sommato il gruppo risulta più originale di quanto ci si possa aspettare. Aggressivi i riff e la parte ritmica, con frequenti cambi di tempo, spesso a velocità incredibilmente sostenute. Il cantato è quello arrabbiato, roco, in italiano che offre dei testi interessanti e non abbandonati a clichè. Da notare in alcuni punti l'uso di cori in stile decisamente heavy metal, con sovrapposizione di scream e growl che rendono l'album molto variegato. Alcune parti melodiche ricordano molto gruppi come i Gorilla Biscuits (vedi intro)..." (Rockit)